Après 8 ans de développement, le prochain RPG de la série Digimon Story va bientôt voir le jour. L’occasion pour nous de tester en avant-première le jeu lors de l’événement de rentrée de Bandai Namco « Back to School ». Une première expérience qui aura duré 3h, nous permettant de nous faire une bonne idée sur le potentiel du jeu, son histoire, ainsi que ses mécaniques phares.

Invitation pour le Digimonde

Nous avons eu l’occasion de tester deux parties du jeu, situées chacune dans une zone et une partie de l’histoire bien différentes.La première partie était le début du jeu, avec la présentation du personnage et de son monde : l’histoire de Digimon Story: Time Stranger commence avec une structure que l’on peut considérer comme classique, mais efficace. Nous incarnons au choix un ou une jeune protagoniste, membre d’une société de protection secrète nommée ADAMAS et dont la mission du jour est l’enquête de phénomènes mystérieux ayant lieu dans un quartier de Tokyo. Seul bémol pour nous : un mur géant construit par le gouvernement tient la population à l’écart de ce qui semble être à l’origine de récents séismes. Un mystère que les autorités cachent à tout prix ? Il n’en faut pas plus pour allumer chez notre protagoniste la flamme de la curiosité.

Cette intrusion dans cette zone interdite sera l’occasion de découvrir la présence des Digimon, que les personnages connaissent déjà, mais permettra au joueur d’acquérir les bases du gameplay du jeu. L’exploration nous amènera à découvrir de nombreuses créatures, des systèmes de jeu, ainsi qu’à faire des rencontres bien connues du genre, mais toujours les bienvenues pour les amateurs de jeux à l’esprit shōnen : celle de l’étrange jeune fille à protéger, ainsi qu’une autre entité tout aussi mystérieuse, mais aussi puissante que hostile. Nous apprenons ainsi que derrière ce mur se trouvent de nombreux Digimon, ainsi qu’un colossal titan et que tous sont acteurs et victimes d’une grande guerre interdimensionnelle dont les proportions peuvent être cataclysmiques.

Digimon Story: Time Stranger confirme ainsi bien son appartenance au genre du JRPG avec une histoire facilement accessible, qui parlera aux connaisseurs du genre, tout en possédant les moyens de développer des thématiques matures et intéressantes. À voir si le jeu parvient à garder cette ambiance qui nous promet son petit lot de scènes émotionnelles avec des personnages hauts en couleurs.

Un univers riche avec du potentiel

Durant la seconde partie, nous avons été plongés bien plus loin dans l’histoire, avec une équipe extrêmement fournie de plusieurs dizaines de Digimon au niveau champions, ainsi que de nouveaux compagnons pour explorer une zone insulaire à l’ambiance cristalline et estivale. Si nous ne nous attarderons pas sur l’histoire de cette partie pour vous laisser la surprise, sachez que c’était surtout l’occasion pour nous de découvrir les différentes mécaniques de gameplay du jeu. Et nom d’un pixel, il y a de quoi en dire ! Digimon Story: Time Stranger fait la part belle à la stratégie et à l’optimisation des créatures en proposant de nombreuses possibilités de personnalisation sur plusieurs points.

Comme annoncé auparavant, plus de 450 Digimon seront présents dans le jeu, ce qui est un record pour la licence. Pour obtenir de nouveaux compagnons de route, il vous faudra dans un premier temps les affronter pour accumuler des données à leur sujet, puis une fois que vous aurez dépassé les 100% d’informations collectées, vous pourrez créer un clone d’un Digimon rencontré et l’intégrer à votre équipe. Une accessibilité d’acquisition qui donne un intérêt particulier aux combats, en plus du gain évident de l’expérience. Par ailleurs, certains Digimon semblent accorder plus de données que d’autres, ce qui crée par là un système de rareté, mais aussi sûrement la nécessité de devoir farmer les rencontres.

Pour rester dans l’esprit de l’accessibilité, le système de digivolution n’utilise pas de mécaniques aléatoires dans cet épisode. Pour faire passer votre digimon à un stade supérieur, il faudra que votre compagnon ait atteint un certain nombre de caractéristiques. Ce sera ensuite à vous de sélectionner la prochaine forme de votre compagnon parmi la liste des options disponibles, certaines d’entre elles ne le deviennent qu’après avoir rencontré cette forme supérieure du Digimon en question. Le système est très compréhensible et permet de planifier facilement l’organisation de son équipe future.

Un système de combat bien familier

De ce côté-là, Digimon Story Time Stranger reste très classique en reprenant un système de combat déjà vu dans de nombreux jeux, avec deux, trois trucs sympa en plus. Dans le domaine du terrain connu, on retrouve les systèmes classiques d’attaque, de compétences, d’objets à utiliser, de défense, de fuite, etc.

Mais parmi les petits trucs innovants, on retrouve la possibilité de faire des attaques d’opportunité sur les Digimon errants dans l’environnement, juste avant d’engager le combat. Même si ce système existe déjà dans certains jeux, nous le trouvons ici assez novateur à notre connaissance, avec des bonus intéressants. En plus de l’habituelle priorité accordée dans l’ordre des tours, les ennemis attaqués hors combat entrent en jeu avec une vie réduite, mais si jamais l’attaque avait le potentiel de directement mettre K.O. votre adversaire, le combat ne se lance même pas. Vous obtiendrez directement l’expérience, objets et données prévus par la rencontre. De quoi atténuer très largement la sensation de farm que crée la collecte de créatures.

L’autre nouveauté du jeu, sans pour autant être novatrice dans le genre, est la présence d’une attaque spéciale réalisée par notre protagoniste, capable de renverser l’issue d’un combat. Cette dernière s’active en remplissant une jauge de combat et possède des effets variés selon les options choisies dans l’un des menu du jeu. Il nous a été possible, par exemple, de renforcer notre équipe ou d’occasionner d’immenses dégâts d’un seul coup. Un ajout sympathique, avec une belle animation, qui renforce la présence de notre personnage lors des combats.

Pour en revenir aux Digimon en eux-mêmes, notre équipe sera composée de six d’entre eux, trois dans l’équipe active et trois dans celle de réserve. Il ne nous a pas été permis de changer de combattant en plein combat – ou peut-être qu’on est juste passé à côté -, ce qui est assez dommage pour des raisons stratégiques. En revanche, il est possible à tout moment de modifier ses équipes avec la présence d’une boite disponible à tout moment. Les joies des compagnons virtuels aussi légers que l’air.

Ces mêmes compagnons reprennent des principes déjà vus dans les anciens jeux Digimon, comme les affinités de types, entre ceux appartenant à la catégorie virus, antivirus ou données, reproduisant un système de pierre-papier-ciseaux. Ajoutons à cela les familles de créatures qui peuvent subir des bonus de dommages contre certaines attaques, comme par exemple les Digimon aquatiques sensibles à l’élément foudre.

Un principe d’alignement de tempérament est également présent. Si nous n’avons pas bien eu l’occasion de saisir entièrement son principe, ce dernier semble pouvoir modifier l’inclinaison de caractéristiques du Digimon, pouvant influencer la facilité, voire la possibilité de faire certaines digivolutions, en plus d’assurer des rôles particuliers dans les compositions d’équipes. Cet alignement de tempérament peut être modifié en passant un peu de temps avec vos créatures, qui souhaiteront dialoguer avec vous au moment où vous rechargerez vos points de vie et points de compétences. En fonction de vos réponses à leurs questions ou leurs remarques, leur tempérament peut changer d’alignement.

Tout le budget sur les stars virtuelles

On s’y attendait et on n’était pas déçus : Digimon Story: Time Stranger est un beau jeu avec un grand travail sur l’apparence et l’animation des Digimon. Dans ce domaine-là, c’est surtout la qualité des jeux de lumière et les textures qui nous ont impressionnés. Si l’apparence des personnages semble bien moindre, et les modèles des environnements sont acceptables pour un jeu de cette génération, cela importe au final assez peu, car l’essentiel est là : les Digimon font vraiment plaisir à voir et les combats sont dynamiques. De plus il était assez plaisant de voir notre personnage chevaucher ou se faire porter par certains Digimon lors de l’exploration des niveaux. Cette possibilité remplace efficacement l’absence de vitesse de course et permet de réaliser des attaques d’opportunité, comme décrit plus haut

Pour donner plus de détails concernant les animations de combat, nous avons découvert que chaque Digimon possédait au moins une compétence signature, ainsi que plusieurs compétences communes. Le travail sur l’animation des attaques signatures est vraiment agréable, même si nous aurions aimé que certains Digimon aillent un peu plus loin dans la représentation de ce qui est leur trait de caractère. Ceci étant dit, avec 450 créatures à gérer, on peut comprendre qu’il y ait des irrégularités.

Les compétences secondaires possèdent quant à elles des animations classiques, qui ne sont pas en lien direct avec leurs utilisateurs, mais en revanche, elles offrent un grand potentiel stratégique, vu qu’il est possible de modifier leurs emplacements et d’en débloquer de nombreuses versions.

Un petit bémol ressenti lors de notre expérience, était l’impression d’avoir un univers très dirigiste, organisé en couloirs. Ce qui n’est pas un mal en soi, mais après toutes les annonces sur l’aspect monde ouvert du titre, l’impression de grande liberté n’était pas présente durant cette session. Peut-être que cela viendra avec l’exploration d’autres zones. Des petites erreurs de traduction ont également été remarquées et remontées aux organisateurs présents, mais rien de capable de gâcher l’expérience de jeu. De plus, il ne nous a pas été permis de vérifier si le jeu possédait un aspect PvP, permettant de faire combattre les joueurs en ligne avec leurs équipes favorites, ce qui serait un ajout intéressant pour le titre.

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Le remake de Star Wars: Knights of the Old Republic (KOTOR) semble appartenir à la catégorie des projets fantômes : annoncé, espéré, mais toujours absent. Malgré les rumeurs d’annulation, Saber Interactive assure que le développement continue. Récemment, une rare pièce de concept art a refait surface, offrant un aperçu inédit… mais déjà daté.

Depuis son annonce, le remake de Star Wars: Knights of the Old Republic nourrit plus de fantasmes que de certitudes. Révélé il y a quatre ans lors d’un PlayStation Showcase, le projet n’a jamais véritablement montré signe de vie concret. En 2023, des bruits de couloir le disaient purement et simplement abandonné. Pourtant, plus tôt cette année, le directeur créatif de Saber a tenu à rassurer les fans : selon lui, le jeu est bel et bien en développement et « avance correctement ».

Dans ce contexte de flou, chaque indice prend des allures de trésor. Récemment, un visuel conceptuel a émergé en ligne, déniché par MP1st. Il s’agirait d’une illustration issue du portfolio personnel d’un artiste ayant travaillé sur le remake jusqu’en 2021, soit au moment de l’annonce officielle du projet. L’image montre Kashyyyk, la planète forêt emblématique où vit le peuple Wookie.

Si ce concept art ne dévoile pas grand-chose, il représente paradoxalement l’aperçu le plus concret du remake depuis longtemps. Mais son ancienneté – plus de quatre ans – et le fait qu’il provienne d’un développeur qui n’est plus impliqué dans le projet posent question quant à sa pertinence actuelle.

D’autant que Saber Interactive ne manque pas de travail. Le studio a les mains pleines avec plusieurs projets en parallèle : le suivi de Warhammer 40,000: Space Marine 2, l’adaptation vidéoludique Jurassic Park: Survival, ou encore un jeu récemment annoncé basé sur la franchise horrifique Hellraiser. Autant de productions ambitieuses qui pourraient détourner l’attention des équipes de KOTOR, au grand dam des fans qui attendent depuis longtemps des informations concrètes sur le remake.

Pour mémoire, Star Wars: Knights of the Old Republic, sorti en 2003, est considéré comme l’un des meilleurs jeux jamais créés dans l’univers de la saga. Mêlant création de personnage, choix moraux et progression dans l’usage de la Force, il a marqué toute une génération. Reste à savoir si son remake sortira un jour des limbes pour, enfin, rallumer les étoiles dans les yeux des fans.

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Lors de chaque sortie d’une nouvelle console Nintendo depuis maintenant plusieurs années, Ubisoft réussissait toujours à inclure un ou plusieurs jeux dans le line-up de lancement. Mais cette fois-ci, l’éditeur français a décidé de dégainer quelques mois plus tard avec un titre qui n’avait pas fait l’unanimité lors de sa sortie en 2024 : Star Wars Outlaws. Après avoir passé plusieurs heures de jeu sur Nintendo Switch 2, on peut dire que le choix de l’éditeur français est payant avec l’un des meilleurs portages parus à ce jour.

Test réalisé sur Nintendo Switch 2 grâce à une version numérique fournie par l’éditeur

Un premier essai sur Nintendo Switch 2 qui joue de malchance

Il n’y a pas à dire : Star Wars Outlaws est véritablement l’un des jeux les plus malchanceux de ces dernières années pour Ubisoft. Souvenez-vous, lors de sa sortie fin août 2024, le titre sortait sur consoles et PC avec un manque de finition remarquable, mais pas au point d’être injouable. La toile et notamment de nombreux joueurs s’emparent du phénomène pour exposer tous les bugs rencontrés dans le jeu, faisant ainsi mauvaise presse à ce dernier malgré de bonnes critiques dans l’ensemble, avec par exemple un score de 75 sur Metacritic.

Depuis, des mises à jour ont été déployées pour corriger les problèmes rencontrés et modifier un gameplay qui, effectivement, n’était pas des plus raffinés lors de son lancement. Malheureusement, le mal était fait et les joueurs n’ont pas forcément tenté de redonner une nouvelle chance au titre, la faute notamment à un calendrier des sorties chargé. Pour un premier portage sur la récente console de Nintendo, les paris ne s’orientaient pas vers la dernière production de Massive Entertainment, mais davantage vers un portage d’un récent Assassin’s Creed. Certainement un essai pour tâter le terrain avant d’autres sorties pour l’année prochaine, à n’en pas douter.

Ainsi, ce portage Nintendo Switch 2 de Star Wars Outlaws est donc calé au 4 septembre 2025 : une date loin d’être anodine puisque le jeu arrive en pleine rentrée scolaire avec aucun autre concurrent durant cette période sur la dernière console de Nintendo… du moins c’est ce que nous pensions tous il y a encore moins de deux semaines. En effet, la Team Cherry annonce la sortie d’Hollow Knight: Silksong pour cette même date à un prix défiant toute concurrence. De quoi faire encore de l’ombre à Star Wars Outlaws qui a tenté une relance pour capter l’attention sur lui, mais le sort en a décidé autrement.

Kay et Nix en quête perpétuelle de liberté

En quête de liberté et désireuse de s’offrir une nouvelle vie loin de sa planète natale, Kay se retrouve rapidement dans une situation délicate dès les premières minutes de jeu. Accompagnée de sa créature aussi mignonne qu’attachante, Nix, Star Wars Outlaws nous plonge immédiatement dans l’essence même de son gameplay, qui rythmera les 20 heures nécessaires pour boucler la trame principale, sans trop s’attarder sur les activités annexes.

Ce Star Wars Outlaws n’est pas un FPS comme Avatar: Frontiers of Pandora, mais bien un TPS dans lequel vous incarnez Kay tout au long de l’aventure. La caméra à hauteur d’épaule s’avère parfaitement adaptée, notamment lors des phases d’infiltration et d’exploration, à la recherche de pièces ou de monnaie disséminées sur les nombreux comptoirs des habitants. Trois planètes seront explorables, chacune avec ses secrets et ses quêtes uniques. Les déplacements dans ces zones ouvertes s’effectuent via votre speeder, offrant une rapidité bienvenue, surtout quand on sait qu’une planète équivaut à deux à trois régions d’Assassin’s Creed Odyssey.

Le principal défaut du jeu réside dans son gameplay d’infiltration, souvent impitoyable. Une seule erreur peut entraîner un game-over. L’IA se montre parfois incohérente : elle peut vous ignorer malgré une action douteuse, mais ensuite vous repérer sans raison apparente. Si vous espériez un TPS orienté action, avec la liberté de choisir entre approche brutale ou discrète, Star Wars Outlaws risque de ne pas répondre à vos attentes. Cela dit, le jeu propose de bonnes idées, notamment un système de compétences évolutives via des missions confiées par des experts rencontrés au fil de l’aventure. Une mécanique astucieuse qui vous incite à varier votre style de jeu pour améliorer les capacités de Kay.

Comme dans tout jeu Ubisoft, la personnalisation est bien présente : héros, speeder, et Trailblazer – le vaisseau que vous tenterez de réparer dès les premières heures – sont entièrement modifiables. Un système de réputation vient enrichir l’expérience : selon votre notoriété, certaines zones pourront être bloquées ou des embuscades vous seront tendues. Concernant la partie sonore, les différents thèmes ainsi que le doublage français restent d’excellente facture. Mention spéciale également à toutes les options d’accessibilité disponibles : daltonisme, HUD, commandes, langues… Tout est paramétrable et personnalisable pour disposer d’une expérience unique.

Pour en savoir plus sur le gameplay et l’histoire de Star Wars Outlaws, nous vous invitons à consulter notre test complet réalisé lors de sa sortie initiale sur PS5, Xbox Series X|S et PC en vous rendant à cette adresse. De ce côté, il est désormais temps de se concentrer sur cette version Nintendo Switch 2, qui s’impose comme l’un des portages les plus réussis pour un jeu en monde ouvert en 3D sur la nouvelle console du constructeur japonais.

La nouvelle référence des portages sur Nintendo Switch 2

Depuis sa sortie le 5 juin 2025, les exclusivités pertinentes se comptent sur les doigts d’une main, avec un Mario Kart World qui a tout raflé sur son passage. Les regards se sont donc tournés vers les éditeurs tiers, avec de nombreux portages : Hogwarts Legacy, Split Fiction ou encore Cyberpunk 2077, chacun disposant d’une version Nintendo Switch 2 satisfaisante. S’ensuit alors le débat des cartes clés de jeu, véritable pied-de-nez aux collectionneurs, bien que cette formule permette toujours de revendre ou de prêter son jeu à des amis : Ubisoft a opté pour ce format de cartouche pour Star Wars Outlaws pour des raisons techniques (vitesse de lecture trop lente par rapport à la mémoire interne de la console). Le titre occupera ainsi 20,5 Go sur votre console, auxquels vous pouvez ajouter 1,2 Go supplémentaires si vous souhaitez disposer des voix françaises via un pack téléchargeable sur le Nintendo eShop (par défaut, les voix anglaises seront appliquées).

N’oublions pas que lors de sa sortie en 2024, le titre nécessitait 65 Go minimum pour être installé sur consoles ou PC. Contrairement au portage de Split Fiction, qui occupait quasiment le même espace sur tous les supports, Star Wars Outlaws a bénéficié d’un véritable travail des développeurs ainsi que d’une réelle optimisation pour alléger au maximum le jeu sur Nintendo Switch 2. D’autant plus que dans les 20,5 Go de l’installation principale, on retrouve les deux contenus téléchargeables solo Wild Card et A Pirate’s Fortune, la mission exclusive Le pari de Jabba, le pack personnage Raid de Kessel, le pack Héritage du Chasseur et le pack Ronin du Cartel.

Vous l’avez compris, Star Wars Outlaws est donc proposé sur la dernière console de Nintendo avec tout le contenu précédemment publié, à un prix de vente cohérent : 59,99 €. Mais une fois l’installation finalisée et le jeu lancé, le résultat est-il à la hauteur des espérances pour un jeu en monde ouvert ? Eh bien oui. Il faut le reconnaître, ce portage de Star Wars Outlaws est l’un des meilleurs disponibles sur la Nintendo Switch 2 à l’heure où nous écrivons ces lignes. Lors de nos six heures de jeu, nous avons alterné entre niveaux à couloirs et exploration sur Toshara, la première planète du jeu. Aussi bien en version portable qu’en version dockée, Star Wars Outlaws maintient les 30 FPS sans faiblir, et le moteur Snowdrop a tenu bon durant toute notre aventure.

Graphiquement, nul doute que le DLSS intégré à la Nintendo Switch 2 a aidé les développeurs dans ce portage. Avec un signal produit de base entre 605p et 635p selon les chaînes spécialisées, la technologie proposée par NVIDIA permet un upscaling vers du 1080p. Bien évidemment, pas de 4K pour la version dockée, mais l’inverse aurait été surprenant, puisque cette mouture peut très largement être comparée à une Xbox Series S. Le seul petit bémol de ce portage concerne les temps de chargement, nettement plus longs que sur les autres supports : le moindre échec vous imposera une attente d’environ 15 secondes avant de pouvoir retenter votre chance. Notons également que les fonctionnalités souris des Joy-Con 2 ne sont pas prises en compte.

Bien entendu, pour que Star Wars Outlaws tourne sans accroc, des concessions ont été faites sur la qualité des textures, un aliasing plus prononcé, des éléments retirés des décors ou encore une densité moindre des PNJ, mais l’essentiel est ailleurs. En effet, Star Wars Outlaws reste agréable aussi bien en mode portable qu’en mode docké. Légèrement plus flou en version portable, le titre s’offre tout de même le luxe d’être, à ce jour, le portage le plus solide et le plus surprenant du début de vie de la Nintendo Switch 2. Certains joueurs avaient pu l’essayer lors de précédents salons, avec des retours négatifs, mais il faut dire que cette version 1.0.3 a mis tout le monde d’accord, dans le bon sens du terme. On se rapproche bien entendu d’une version Xbox Series S, mais n’est-ce pas là l’objectif de la Nintendo Switch 2 ?

Enfin, la dernière grande satisfaction vient d’Ubisoft Connect : perçue comme une contrainte par de nombreux joueurs, cette interconnexion entre toutes vos plateformes est toutefois indispensable pour profiter du cross-save mis en place depuis plusieurs années par l’éditeur français. Il sera ainsi possible de récupérer une sauvegarde précédemment stockée dans le cloud et de la poursuivre sur votre Nintendo Switch 2, sans avoir à tout recommencer depuis le début. Pour des jeux plus courts, cette fonctionnalité est davantage optionnelle, mais pour un open world comme Star Wars Outlaws, on peut se demander si cette possibilité n’est pas aujourd’hui indispensable. Après Cyberpunk 2077, la production de Massive Entertainment est donc le second jeu à proposer cette option, au grand dam des fans de Hogwarts Legacy.

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Il y a des jeux dont on entend très peu parler, jusqu’à ce qu’une petite niche de joueurs les porte aux foules en les acclamant comme des perles, voire des révolutions du genre. Longtemps boudé en France en raison de son manque de traduction, Slay the Princess s’est acquis une solide réputation sur les territoires anglophones, comme un jeu d’horreur uniquement narratif ayant réconcilié de nombreux joueurs avec le plaisir de la lecture. Découvrez la dernière version de ce petit ovni bouleversant et poignant, comme ce que seule la scène indépendante est capable de produire.

Test réalisé sur PS5 grâce à une version numérique fournie par l’éditeur

Que vaut l’édition Pristine Cut de Slay the Princess sur consoles ?

Sortie le 24 octobre 2024, la version Slay the Princess: The Pristine Cut est à la fois une énorme mise à jour gratuite des versions PC du jeu, mais également un portage à destination des consoles. Nous y retrouvons l’intégralité de la version de base, originellement sortie en 2023, mais avec beaucoup de contenu supplémentaire, tels que : une nouvelle fin, des morceaux retravaillés de l’histoire, de nouvelles variations de la Princesse, une galerie d’images interactives, ainsi que des illustrations et des musiques supplémentaires. Et un des ajouts les plus attendus : la traduction du jeu en plusieurs langues, dont le français. Si jamais une version physique vous intéresse, sachez qu’il existe une édition Standard, ainsi qu’une version Special pour la PlayStation 5 et la Nintendo Switch qui sont distribuées en Europe sous la supervision de l’éditeur Tesura Games.

Un bon contenu qui fait plaisir pour ce portage sur consoles de Slay the Princess: The Pristine Cut en somme, avec en plus des versions physiques spécialement pour la Switch et la PS5, s’il vous plaît ! Ces versions consoles n’offrent pas une expérience différente de la mouture PC, si ce n’est le contexte offert par la nature même de ces supports. Ainsi, il vous sera sûrement plus facile de jouer tranquillement dans les transports ou dans votre lit avec la version Switch de Slay the Princess, tandis que les versions PlayStation ou Xbox vous permettront de partager l’expérience de jeu avec quelqu’un d’autre plus confortablement. Un canapé offrant plus de place pour que deux personnes puissent débattre sur la multitude de choix et de fins possibles offertes par le jeu, plutôt qu’une chaise de PC après tout.

Durant notre test sur PlayStation 5, nous n’avons constaté aucun problème de performances – ce qui aurait été étonnant vu le gameplay – ou de bugs particuliers. Si ce n’est que le paramètre pour choisir la vitesse de défilement des dialogues est étrangement inversé par rapport aux autres. On a également remarqué qu’il n’était pas possible d’augmenter la taille des sous-titres, ce qui peut poser problème quand on joue sur un écran éloigné, comme un téléviseur.

Petite fonctionnalité intéressante, le mouvement de la manette fait légèrement bouger la caméra et les décors du jeu, rien de sensationnel, mais cela reste sympathique durant certaines scènes qui utilisent un principe de couches avec des illustrations indépendantes.

Un concept simple qui se complexifie (très) vite

Parlons enfin du jeu en lui-même ! Slay the Princess est un jeu dans lequel on vous demande d’aller tuer une princesse emprisonnée dans le sous-sol d’une cabane. Ce concept, pourtant simple, porte en lui un immense potentiel narratif que le jeu exploite à merveille. Car, comme vous l’avez sûrement fait à l’instant en lisant ces lignes, le personnage que vous incarnez ne manque pas de se poser des questions sur ce que cela signifie. Cette situation est des plus étranges et n’est que la surface d’un immense et profond mystère qu’il ne tient qu’à vous de découvrir.

Les joueurs étant habitués à certains jeux de Serenity Forge, l’éditeur derrière la publication de jeux d’horreurs psychologiques particuliers,comme Doki Doki Literature Club Plus! ou Needy Streamer Overload, ont surement déjà eu la puce à l’oreille et savent à quoi s’attendre.

Pour les autres joueurs, bienvenue dans une aventure qui vous prendra au corps, au cœur et aux tripes. Dans Slay the Princess, ce sont vos choix, vos questions et vos décisions qui vont créer l’histoire que vous allez vivre. Et pour ne rien arranger, vous n’êtes pas tout seul dans votre tête, un Narrateur sera là pour vous guider dans votre quête et sera toujours accompagné d’une ou plusieurs voix qui vous serviront de conscience, dont l’objectif est de vous pousser vers les choix qu’elles jugent les meilleurs. Ou alors de commenter ceux que vous venez de faire, souvent avec virulence.

Un Visual Novel classique…

En cela, Slay the Princess s’apparente à une œuvre de type Visual Novel d’horreur, croisée avec un livre-jeu de type « Un Livre dont vous êtes le Héros ». Chaque choix effectué vous amène vers une nouvelle scène du jeu, chaque question que vous posez ou réflexion que vous faites débloque de nouveaux choix. Gare à ceux qui n’apprécient pas la lecture, car c’est sur cela que repose tout le gameplay, voire l’intérêt du titre. Même si le jeu a bénéficié d’une excellente traduction en français, elle se limite aux textes. Les voix – même si le doublage est également très bon – ne sont disponibles qu’en anglais.

Ainsi, si vous êtes une personne littéraire, le jeu vous tend une myriade de bras pour vous accueillir dans son univers. Slay the Princess est une œuvre narrative puissante, qui aime jouer avec les codes du genre horrifique, qu’ils soient psychologiques ou fantastiques. Peu importe le choix que vous ferez, qu’il soit bon ou mauvais, vous ne serez jamais prêt à faire face aux conséquences de vos décisions.

Heureusement, de par sa nature, le jeu laisse toujours le temps de la réflexion. À aucun moment le gameplay n’impose un timer ou un système de QTE pour influencer vos actions. Slay the Princess se joue uniquement avec la sélection de dialogues dans un menu dédié, ce qui est parfait pour jouer détendu. Du moins, si l’intensité des scènes que vous allez y vivre et la magnificence des illustrations ne vous provoquent pas des pics d’émotions qui vous accrochent le cœur.

… avec une ambiance unique

En effet, ce qui retient notre attention en premier lieu avec Slay the Princess, ce sont bien ses visuels, certes minimalistes, mais impactants. Plus tôt, nous avons sorti la référence des livres-jeux de la série « Un livre dont vous êtes le Héros », car la direction artistique même de Slay the Princess semble s’inspirer de ce genre d’ouvrages. Le jeu présente des illustrations en noir et blanc, à l’aspect crayonné et qui semblent tout droit sorties d’un carnet de croquis. De plus, comme une véritable bande dessinée artistique, le dessin change et évolue selon le contexte de l’histoire et la perspective des actions. De par sa direction artistique originale, Slay the Princess offre une ambiance vibrante qui nous fascine avec ses planches. Les rares touches de couleurs que vous verrez seront là pour servir de supports narratifs au contexte. Dans le meilleur des cas, cela servira à illustrer la psychologie de la Princesse, mais dans les pires situations, ce qui ressortira entre le noir et le blanc sera le rouge du sang, le vôtre ou le sien.

Ainsi, si le temps de la réflexion s’impose naturellement face aux choix cornéliens du jeu, celui de la contemplation s’invite également, notamment pour certains passages où la mise en scène ne peut que nous laisser admiratifs devant le talent de la dessinatrice du projet : Abby Howard, auteure de BD sur internet et cofondatrice de Black Tabby Games, l’équipe de développement derrière Slay the Princess, qu’elle a créé avec son mari Tony Howard-Arias, qui lui s’occupe de la partie développement. L’écriture du jeu s’est d’ailleurs faite en couple. Peu étonnant donc, que la thématique de la relation soit si bien abordée au travers des dialogues et des sous-entendus.

Revenons sur la partie artistique de Slay the Princess en abordant le travail sonore derrière le jeu. On y retrouve Phil Michalski au sound design et Brandon Boone à la composition. Si la musique reste très agréable, elle n’est pas pour autant marquante, en revanche le travail sur le bruitage fait clairement son effet. On le répète, mais Slay the Princess est un jeu d’horreur, qui utilise avec brio son média pour nous glacer le sang. L’ambiance créée par la qualité d’écriture et les illustrations expressives se renforce d’autant plus quand le bruitage s’y accorde parfaitement. Que ce soient des chuchotements à travers les bois, des crissements d’une lame contre la pierre ou le battement d’un cœur à vif au travers d’une poitrine, l’ambiance sonore est parfaitement réussie ici. Et même si la musique ne reste pas en mémoire, il faut tout de même souligner qu’elle participe aussi très bien à l’ambiance et propose un thème personnalisé pour chacune des versions de la Princesse. Un travail conséquent donc.

L’enfer des choix

On a commencé à lister les personnes ayant participé à ce projet, donc autant terminer avec les doubleurs qui nous accompagnent tout au long de cette aventure. Nichole Goodnight endosse ici le rôle de la Princesse, tandis que Jonathan Sims s’occupe de la voix du Narrateur et des autres entités qui habitent notre esprit. Deux acteurs s’occupent donc de l’intégralité des voix, ce qui est assez vertigineux quand on se rend compte de toutes les possibilités scénaristiques que propose le jeu. Slay the Princess propose tellement d’options qu’il peut être compliqué d’en sélectionner une parmi la dizaine de choix souvent possibles dans le menu des dialogues. Et même une fois que celui-ci est fait, on a toujours envie de revenir en arrière, de voir ce qu’il était possible de faire dans une situation tendue ou ce qu’un personnage avait encore à dire malgré le nombre de questions limitées.

Heureusement, le jeu propose un système de sauvegarde qui permet de cumuler jusqu’à plusieurs points de retour dans la trame. Il est également possible de passer les dialogues déjà faits avec une simple touche, le jeu gardant en mémoire vos sélections, même après rechargement d’une sauvegarde. De quoi satisfaire ceux qui désirent épuiser toutes les possibilités d’une scène avant de choisir l’option qu’ils préfèrent ou de facilement revenir au point de bascule qui peut conduire à deux fins différentes. Une partie dure en moyenne 5h, mais il est possible de continuer le jeu durant plusieurs dizaines d’heures si l’on désire voir toutes les possibilités du récit. Car même en l’ayant terminé une première fois, le jeu parvient toujours à vous donner envie de revenir, que ce soit pour dénicher les morceaux de mystères qui vous manquent ou par pure curiosité sur les destins possibles de ces personnages, auxquels on finit immanquablement par s’attacher.

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Sword of the Sea est un petit miracle qui a failli ne pas voir le jour. Dernière création du studio Giant Squid, connu pour ses jeux à l’atmosphère travaillée. Cette nouvelle proposition artistique intrigue déjà par son gameplay qui semble en contradiction avec la proposition de base, celle de profiter d’un monde contemplatif en fonçant à toute vitesse à travers ses environnements. Un pari réussi, qui nous inspire autant qu’il nous amuse. Sword of the Sea est une aventure que beaucoup ont déjà vécue, mais qui possède un grand potentiel pour nous émerveiller à condition qu’on accepte de se laisser porter par le courant.

Test réalisé sur PS5 grâce à une version numérique envoyée par l’éditeur

La quête du (re)renouveau

Sword of the Sea nous fait incarner une entité mystérieuse nommée le Spectre, possédant la capacité d’utiliser son épée comme un hoverboard pour glisser à grande vitesse sur le sol. Un être à l’origine mystérieuse et dont le but reste encore flou, si ce n’est qu’un monde entier attend d’être exploré.

Un monde désertique, mais qui donne envie de l’arpenter à toute vitesse en glissant sur ses dunes mouvantes, que l’on compare rapidement aux vagues de l’océan. Une ressemblance tout sauf anodine, car comme son titre le suggère, Sword of the Sea possède des thématiques étroites avec cet élément. Le Spectre que l’on incarne se révèle également être un salvateur, capable de libérer l’eau emprisonnée et de modifier l’aspect du désert, le rendant plus libre, plus beau, plus vivant.

Le studio derrière Sword of the Sea est Giant Squid, déjà reconnu pour les jeux Abzû et The Pathless qui proposaient des gameplays simples, mais satisfaisants avec un gros travail de mise en scène de leurs univers. Mais la comparaison la plus forte reste sans conteste celle avec Journey. Deux entités masquées, naviguant dans des zones désertiques, avec la capacité de modifier le monde pour lui faire retrouver son aspect véritable, le tout servi par une narration cryptique et une ambiance enchanteresse. Il est facile de voir en Sword of the Sea successeur spirituel, mais le jeu possède bien ses propres caractéristiques qui le démarquent des titres cités précédemment, en bien comme en mal.

Une liberté accessible pour tous

Si Journey était déjà un voyage enchanteur, Sword of the Sea vous propose de passer plusieurs vitesses d’un coup et même d’en profiter pour faire quelques backflips ou du grind si l’occasion se présente. En effet, Sword of the Sea fait la part belle aux plaisirs du skate et du surf avec sa vitesse et ses figures acrobatiques possibles.

L’épée volante qui nous sert de bolide possède son propre moteur magique, capable de nous faire filer d’elle-même à toute vitesse, mais contrairement aux héros de Wuxia (des romans de fantasy médiévale chinois) on ne décolle pas du sol à moins de se servir d’un tremplin ou d’une colline pour nous propulser dans les airs. C’est à ce moment-là que l’on peut réaliser nos meilleurs tricks pour engranger des points de score. Une mécanique qui ne sert à rien pour l’avancement du récit, mais qui vous permet de gagner de l’argent dans des zones dédiées.

En effet, si la présence d’un marchand immanquable, mais innommable, vous permet d’acheter la possibilité de réaliser des figures sympathiques, il s’agit d’une mécanique assez peu exploitée. Les énigmes dans Sword of the Sea sont toujours d’une grande simplicité et se résolvent en explorant légèrement les lieux. Libre à nous donc de réaliser un enchaînement démentiel de figures impressionnantes au cours de votre exploration, cela n’amène à rien, si ce n’est la satisfaction personnelle, ce qui est déjà pas mal.

En effet, le jeu pousse bien plus à la satisfaction et au plaisir du joueur qu’à la recherche de la performance. Mis à part quelques zones purement dédiées ou du contenu annexe, rien ne vous demande de réaliser de grandes performances. Sword of the Sea est un jeu accessible et très gratifiant. Il n’y a pas de système d’échec ou de Game Over. Les chutes et la lave vous font réapparaître à proximité et même certains tremplins aériens se décalent légèrement pour vous faciliter la vie. En ce sens, Sword of the Sea convient parfaitement à des personnes peu habituées aux jeux vidéo, capables de tomber sous le charme de son univers. Ces dernières n’auront presque aucun mal à s’habituer aux déplacements du personnage qui réagit avec une bonne fluidité et précision lors des grandes vitesses.

S’il est vraiment satisfaisant de filer à grande vitesse sur le sable, la neige et l’eau ou de s’élancer dans les airs pour ressentir un puissant élan de liberté, on regrette cependant que les environnements ne proposent pas de grandes animations pour profiter du gameplay de glisse. Malgré l’omniprésence d’éléments aquatiques, on n’y retrouve aucune véritable vague digne d’un surfeur passionné. Si le monde est riche et agréable à parcourir, il manque d’un peu de dynamisme pensé pour de fortes phases de gameplay de glisse. Cependant, selon les aveux des développeurs, le studio craignait de ne pas pouvoir survivre à la crise de ces dernières années et s’est fait sauver par Sony grâce à son programme de soutien des indépendants. On déplore quand même l’absence de vagues géantes pour surfer dessus.

Un spectacle en sons et vitesse-lumière

Cependant, ce léger désagrément est vite oublié quand on se concentre sur un autre point essentiel de Sword of the Sea : la beauté de son univers. Même si cela n’a rien d’étonnant venant de Matt Nava, qui a travaillé sur le projet en tant que directeur créatif, l’homme étant déjà connu pour avoir été le directeur artistique de Journey, mentionné plus tôt. Les deux jeux possèdent en commun cette variété d’ambiances nous amenant à la contemplation et la réflexion, que cela se fasse par la beauté solennelle de montagnes majestueuses ou la gaieté chatoyante des fonds marins. En cela, Sword of the Sea confirme son héritage spirituel, celui d’un jeu qui, le temps d’une après-midi, nous invite au voyage émotionnel et spirituel.

Après avoir décrit la sensation globale, attardons-nous sur les détails de sa beauté. Sword of the Sea nous propose une large palette de couleurs et de textures au travers de son environnement. Pour peu que l’on prenne le temps de s’arrêter un peu (tout en continuant à flotter sur son épée), il devient possible d’admirer le travail de sa mise en scène. Que ce soit les jeux de reflets créés par la présence de l’eau dans des endroits normalement impossibles ou les effets de lumière de chaque élément qui compose ce monde.

Dans ce même registre, la musique s’accorde parfaitement aux ambiances des lieux parcourus ou des événements rencontrés. Le ton est correct, toujours subtil sans jamais s’imposer assez pour nous déconcentrer lors de nos déplacements. Au contraire, bien souvent elle nous insuffle le sentiment de toujours vouloir s’élancer, grisé par la liberté du personnage et les possibilités offertes par l’agencement des niveaux. Ces derniers ne sont jamais bien compliqués et il est toujours facile de retrouver son chemin, que ce soit grâce au travail de lumière ou à la facilité avec laquelle le personnage peut gagner en hauteur pour mieux se repérer.

Sword of the Sea nous invite à faire attention à notre environnement, que ce soit pour y jouer ou pour l’admirer. Une volonté renforcée par la présence de nombreux éléments cachés, qu’il est possible de débusquer en réalisant un véritable vol plané ou en s’aventurant dans les zones recluses, par exemple. À ce propos, si la prise en main du gameplay est presque immédiate, il peut se révéler frustrant de se déplacer sur des surfaces étroites, comme de minuscules bandes de gazon ou des pointes de rochers, mais encore une fois, de telles manœuvres ne sont jamais nécessaires pour avancer dans l’histoire.

Une histoire cryptique comme de l’eau cristalline

A l’image de nombreux jeux du même genre, qui vous invitent au voyage intérieur et à l’introspection, Sword of the Sea privilégie le choix de l’absence de dialogues pour les cinématiques et une histoire cryptique. Malheureusement, cette dernière révèle assez vite l’origine de son univers, de son protagoniste et sa signification, ce qui est peut-être un défaut. Là où certains titres assument totalement leurs flou artistique qui laissait une libre interprétation, Sword of the Sea en dit bien trop sur son lore pour nous laisser la liberté d’imaginer son contenu principal. En explorant le monde, le joueur peut y découvrir des stèles racontant des concepts, des morceaux d’histoires et des faits sur l’univers de Sword of the Sea. À notre goût, le jeu n’est pas assez cryptique pour ceux qui aiment analyser, tout en révélant bien trop peu pour ceux qui aiment les histoires claires et précises.

Cela n’empêche pas Sword of the Sea de posséder des messages forts, qui peuvent résonner en chacun, peu importe l’époque. Cela peut être des thématiques limpides comme la protection environnementale, le fait de chercher à se découvrir ou des philosophies plus complexes, comme l’équilibre de la Nature et l’acceptation de la finalité. Les thèmes de l’eau et de la glissade sont suffisamment bien exploités, et distillés subtilement au travers des niveaux à explorer, pour que l’on se sente investi dans cette quête spirituelle sous-jacente proposée par le jeu. Même s’il n’y a pas de grandes vagues…

Une quête de soi bien confortable

Sword of the Sea est disponible sur PC et PlayStation. Vous pourrez également y jouer avec l’abonnement PlayStation Plus Extra. Par ailleurs, l’expérience de jeu a été parfaite sur la console de Sony, le jeu ayant toujours constamment affiché 60 fps et aucun lag ou ralentissement ne s’est fait ressentir, même lors des traversées de cartes les plus rapides possibles, en enchaînant assez d’accélérations et de propulsions pour faire cramer les compteurs. De plus, l’usage d’une manette adaptée apporte des sensations différentes. Que l’on glisse sur du sable, de la pierre ou encore de l’eau, les vibrations et le son seront toujours en adéquation, renforçant l’immersion dans ce monde plein de vie et de sensations.

Et car, comme le thème du jeu le souligne, rien n’est éternel : sa durée de vie oscille entre 2h30 et 5h pour une première expérience et selon votre envie d’exploration. Sword of the Sea possède quelques secrets à découvrir, notamment la collecte de mystérieux coquillages et de dalles décoratives, qui servent surtout à débloquer des succès liés. Une fois l’aventure terminée, un mode « new game + » est débloqué, apportant quelques fonctionnalités intéressantes pour ceux qui aiment réaliser de grands scores et le plaisir de la glisse. Un mode photo est également présent dès le début du jeu, pour vous permettre de créer vos plus beaux visuels à partager ou à afficher sur un écran. Rien de très attrayant en soi, mais qui peut avoir son petit effet, si un jour vous décidez de repartir surfer sur les sables chauds et les eaux scintillantes avec votre épée volante.

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Depuis le début de la semaine, une version de démonstration du jeu de gestion Anno 117: Pax Romana est disponible sur PC via les plateformes traditionnelles. C’est l’occasion idéale de découvrir ce nouvel opus prometteur, dont la sortie est prévue dans un peu plus de deux mois sur consoles et PC.

Nous avons eu la chance, il y a quelques semaines, d’essayer Anno 117: Pax Romana, le prochain jeu de gestion signé Ubisoft. L’éditeur français propose ici une nouvelle formule, et le moins que l’on puisse dire, c’est qu’il s’agit de l’une des grosses sorties de cette fin d’année. Pour appuyer cette ambition, une démo jouable est disponible sur PC jusqu’au 16 septembre 2025 inclus pour découvrir cette nouvelle itération prometteuse.

Du contenu exclusif est également récupérable sur Twitch, via des drops réguliers en regardant vos streamers préférés s’essayer au jeu. Si vous n’avez jamais joué à un jeu de gestion ou à un épisode de la franchise Anno, cette version de démonstration est une excellente porte d’entrée pour découvrir une passion pour la stratégie et la gestion. En revanche, les joueurs consoles devront patienter jusqu’à la sortie officielle pour pouvoir tester ce Anno 117: Pax Romana.

Pour rappel, Anno 117: Pax Romana sera disponible le 13 novembre 2025 sur PS5, Xbox Series X|S et PC.

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Sandfall Interactive n’en a pas terminé avec Clair Obscur: Expedition 33 puisque le studio a officialisé la préparation d’une tournée consacrée à la bande-son du jeu.

Si aucune date n’a encore été communiquée sur cette tournée de Clair Obscur, la tournée débutera en France avant de s’ouvrir à l’international dès 2026. Nous ignorons encore combien de villes seront sélectionnées pour la représentation. Cependant, tout laisse à croire que la demande sera très importante au moment de l’ouverture de la billetterie.

Au centre de ce projet se trouvent en toute logique les artistes Lorien Testard et Alice Duport-Percier, dont les créations ont largement contribué à l’identité et au succès de Clair Obscur: Expedition 33. Cette tournée sera réalisée en partenariat avec Bleu Citron, spécialiste de la production de spectacles, et Les Soudaines, spécialistes de la production artistique & direction technique.

Suite à la sortie de "Clair Obscur: Expedition 33" et de sa bande originale, nous sommes ravis d’annoncer une coproduction inédite pour le lancement d'une tournée de concerts officiels !

Ce projet rassemble :
– Bleu Citron : Producteur indépendant de spectacles vivants… pic.twitter.com/zIyvHwR1an

— Sandfall Interactive – CO:E33 out now! (@SandfallGames) September 3, 2025

Avec cette série de concerts, Sandfall Interactive risque encore nouveau de rencontrer un succès fou. Reste à savoir quand et où auront lieux ces spectacles.

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Après avoir marqué les esprits avec Layers of Fear ou encore le remake de Silent Hill 2, le studio polonais Bloober Team prend un virage audacieux avec Cronos: The New Dawn. Exit l’horreur psychologique pure, place à un survival horror rétrofuturiste s’inspirant des plus grands comme Resident Evil, Dead Space et The Thing. Bienvenue dans ce cocktail mystérieux, dans une Pologne des années 80 dévastée par un étrange virus qui cache bien des secrets.

Test réalisé sur PS5 à l’aide d’une version numérique envoyée par l’éditeur

Un voyage dans le passé pour sauver le futur

Habitué au genre sci-fi post-apocalyptique via des séries comme Silo ou encore Dark, Cronos: The New Dawn s’inscrit parfaitement dans l’air du temps. Bloober Team signe un tout nouvel univers aussi intriguant que terrifiant, et cela, dès les premiers trailers de présentation en octobre 2024. Dès les premières secondes, nous sommes happés par son ambiance, son esthétique rétrofuturiste et son atmosphère étrange et morbide. Lorsque l’on pose enfin les mains sur le titre, difficile de ne pas rester indifférent. Ainsi commence notre aventure sur Cronos: The New Dawn, où l’histoire se développe autour d’une simple idée : et si l’humanité pouvait être sauvée en revenant en arrière ?

Le jeu s’ouvre sur une succession d’images en found footage, présentant la chute de notre monde écrasé par un cataclysme connu sous le nom de The Change. Un fléau, invisible, qui se propage comme une épidémie incurable. On est ainsi rapidement mis dans le bain, rappelant la période du Covid où chacun devait rester chez soi. Ici, les premiers symptômes privent les infectés de leur vue avant de les plonger dans une transe morbide où les corps s’agrègent, se fusionnent, donnant naissance à ce que l’on appellera des Orphelins. Des silhouettes informes, mi-humaines mi-monstres, qui arpentent les ruines d’un monde où l’humanité n’existe plus que sous forme de souvenirs.

C’est dans ce contexte que l’on incarne un Voyageur, membre d’une organisation mystérieuse appelée le Collectif, s’écrasant dans notre monde désolé avec l’objectif de retrouver un confrère en mauvaise posture. Dans un ton très froid, presque protocolaire, on nous explique le rôle des voyageurs : celui de traverser des failles temporelles reliant ce futur brisé à celui des années 1980, précisément dans le quartier de Nowa Huta en Pologne. En effet, le Collectif pense que l’avenir peut encore être sauvé en préservant certaines vies-clés du passé. Des individus, voués à disparaître lors du Changement, détenant une Essence, une énergie vitale que l’on doit extraire grâce à l’outil appelé Harvester. Envoyé dans une mission qui devrait être des plus classiques de collecte, quelque chose ne se passe pas comme prévu, remettant doucement en question le rôle du Collectif.

Transporter ces Essences n’est pas sans conséquence : le Voyageur se retrouve peu à peu hanté par des voix, des hallucinations et une altération progressive de sa perception du réel. La frontière entre sauver et sacrifier devient floue. Car en arrachant ces fragments d’âme à leur époque, le Collectif manipule non seulement l’histoire, mais aussi l’esprit de son agent. Ce qui frappe, en dehors de la mise en scène incroyable et la manière d’expliquer l’histoire à travers des mots du passé laissés ici et là, c’est la double temporalité du récit. On alterne ainsi entre un futur post-apocalyptique et une Pologne des années 80, entre blocs de béton et atmosphère pesante de la Guerre froide. Deux époques que tout oppose, mais que Bloober relie habilement, tissant un récit sur la mémoire collective, les regrets et l’idée de rédemption.

Sans trop en révéler, ce qui gâcherait énormément la surprise, l’histoire de Cronos n’est pas qu’une lutte contre des monstres, mais aussi une réflexion sur ce que l’on est prêt à détruire pour préserver l’avenir. Sauver l’humanité… oui. Mais à quel prix ?

Quand prendre une décision peut être fatale

À l’image de ses inspirations citées dans l’introduction, Cronos: The New Dawn propose un gameplay volontairement lourd et pesant, conçu pour nous mettre dans un état de vulnérabilité permanente. Ici, pas de surpuissance ni de surenchère explosive : la survie se joue à l’économie, et chaque erreur se paie au prix fort. Vous l’aurez compris, le jeu repose donc sur une gestion constante des ressources. Les munitions ne sont pas infinies, les trousses de soins limitées et l’inventaire possède trop peu de place pour avoir le luxe du choix. Nous serons ainsi poussés à peser chaque action avant toute exploration : vaut-il mieux affronter ce groupe d’Orphelins, quitte à gaspiller des balles, ou tenter de les éviter en risquant une embuscade plus loin ? Ce sentiment d’insécurité permanente fait la force du jeu, mais peut aussi frustrer les plus néophytes du genre.

L’arsenal, quant à lui, se veut relativement classique, mais efficace. On retrouve le trio habituel pistolet – fusil à pompe – arme de mêlée, mais la présence du lance-flammes devient centrale, presque iconique, tant il conditionne notre survie. À cela s’ajoute le Harvester, outil étrange permettant d’aspirer l’Essence des individus-clés du passé. En plus de sa fonction narrative, il ajoute une nouvelle mécanique : la manipulation de ces Essences confère de nouveaux pouvoirs, mais intensifie les visions et les symptômes psychiques du Voyageur. Un double tranchant qui nous donne la sensation de gagner en puissance tout en sombrant lentement dans la folie. 

Les combats, donnant parfois la sensation d’être un peu simples, assument leur rythme lourd avec une visée volontairement peu souple, accentué par l’utilisation du retour haptique et des animations parfois rigides. Certains y verront un manque de modernité, d’autres apprécieront cette inertie qui rappelle l’âge d’or du survival horror des années 2000. Car c’est bien là le pari de Bloober : renouer avec une époque où l’angoisse venait moins de la rapidité d’exécution que du poids des gestes et des limites imposées au joueur. Pour corriger ainsi ces quelques désagréments de manque de précision, il faudra améliorer son équipement avec, encore une fois, des ressources rares à collecter. Choisir quoi améliorer, que modifier, deviendra un autre dilemme à résoudre pour avancer plus sereinement dans des environnements toujours plus hostiles.

Mais la mécanique la plus marquante reste sans doute celle sur le devenir des ennemis. Une fois un Orphelin abattu, son cadavre ne reste pas inerte. Si vous ne prenez pas la peine de le brûler, il peut être absorbé par d’autres créatures encore vivantes, créant un monstre hybride, plus agressif et plus résistant. Ce simple détail change radicalement la façon d’aborder les combats. Ainsi, tirer dans le tas ne suffit pas : il faut penser à l’après, à l’état du terrain, à vos ressources restantes. Et quand vos réserves d’essence inflammable sont limitées, que vos munitions sont rares, chaque affrontement se transforme en dilemme. Cela est d’autant plus vrai lors de combat de boss, mettant à rude épreuve votre résistance à la peur ainsi que votre préparation avant l’affrontement.

Heureusement, Cronos ne se limite pas qu’aux affrontements. L’exploration tient ici une place importante, ponctuée d’énigmes environnementales et de zones semi-ouvertes qui récompensent l’observation. Le jeu nous invite à fouiller chaque recoin, à collecter chaque document et enregistrement, renforçant son lore qui s’apprécie autant par ses textes, son audio que par ses décors. En somme, Cronos: The New Dawn offre un gameplay exigeant, parfois punitif, mais qui assume sa philosophie : transformer la moindre avancée en victoire fragile et chaque combat en cauchemar stratégique.

Derrière la brume se cachent de belles surprises

Si Cronos: The New Dawn frappe aussi fort, ce n’est pas forcément par son gameplay un peu réchauffé, mais c’est en grande partie grâce à son esthétique. Bloober Team a fait le choix audacieux de situer une grande partie de son récit dans la Pologne des années 1980, et plus particulièrement à Nowa Huta, quartier industriel connu pour son urbanisme brutaliste. Résultat : nous obtenons une direction artistique qui s’éloigne des clichés habituels du survival horror pour embrasser une identité froide, grise et imposante.

Les blocs de béton massifs, les usines désaffectées, les rues désertes et les appartements soviétiques délabrés deviennent autant de terrains de jeu pour la peur. Là où d’autres titres misent sur des manoirs gothiques ou des vaisseaux spatiaux high-tech, Cronos assume son esthétique ouvrière et réaliste, appuyé par des récits étrangement humains, ce qui rend chaque environnement d’autant plus oppressant. Le futur post-apocalyptique, lui, adopte un style rétrofuturiste marqué par des néons défaillants, des brumes épaisses et des structures métalliques écrasantes rappelant Blade Runner.

Visuellement, le jeu cultivera ce contraste entre le froid clinique des bâtiments et de notre personnage et l’organique abject avec ses créatures difformes. Ce mélange permanent entre béton et chair, structure et corruption, incarne parfaitement le thème central du jeu : un monde rationnel et contrôlé, englouti par une horreur qui ne l’est pas. Le tout sera magnifié par l’absence d’HUD, nous permettant de profiter entièrement des décors proposés. Côté audio, Bloober confirme son savoir-faire. L’ambiance sonore est ici un élément central de l’expérience, et Bloober le sait en nous conseillant fortement de jouer avec un casque audio. Les pas résonnent sur le béton, les échos métalliques donnent l’impression d’être suivi, et chaque grognement d’Orphelins se perçoit avant même de voir la créature. La spatialisation du son est tout bonnement époustouflante, que cela soit dans un casque ou en sortie de manette, nous permettant d’identifier correctement la position des monstres seulement avec les bruits qu’ils provoquent.

Au niveau de la bande-son, celle-ci alterne entre touches de synthé et envolées plus orchestrales, renforçant l’aspect rétrofuturiste tout en rappelant des sonorités des années 80. Toujours placée au bon moment, quelques notes suffisent à installer cette angoisse sourde, et l’absence de musique dans certains couloirs accentue encore notre paranoïa. À cela s’ajoutent des choix surprenants : un chat ronronnant au détour d’une pièce venant offrir un étrange moment de réconfort, ou encore les bruits mécaniques d’une station de sauvegarde placée par un ancien Voyageur. En combinant ainsi une direction artistique marquante, un sound design incroyable et un game design aux petits oignons, Cronos: The New Dawn se distingue de ses inspirations pour nous offrir une aventure unique. Plus qu’un simple survival horror, il nous propose une plongée dans une esthétique rarement exploitée chez les maîtres du genre, où chaque mur de béton, chaque note synthétique et chaque choix spatial deviennent des vecteurs de peur.

Rarement, nous avons eu envie de revenir parcourir ses ruines avec l’objectif de comprendre ce qui se cache derrière cet univers. S’il y a bien un défaut à faire sortir de cette expérience, cela concernerait sans doute sa durée de vie, qui dépend de la résistance à la peur de chacun. Pouvant être complété en 16 heures, nous avons mis un peu plus de 20 heures pour terminer notre périple sans pour autant avoir tout fouillé. Une durée de vie raisonnable qui nous laisse un arrière-goût de trop peu, tant l’ambiance proposée nous happe de la première jusqu’à la dernière seconde.

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D’année en année, Sony a augmenté doucement le prix de ses consoles de salon pour atteindre 499€ pour la version entièrement numérique de la PlayStation 5. Ajoutant ainsi 100€ de plus comparé à son prix de sortie, il se pourrait que cette tendance ne puisse se réduire. Pour contrer cette augmentation de prix, et ainsi proposer des consoles abordables à ses joueurs, Sony a trouvé une solution. Malheureusement, cela risque de couter très cher.

Un nouveau rapport, partagé par l’insider billbil-kun, affirme qu’une nouvelle édition numérique de la PlayStation 5 sortira ce mois-ci. Une étrange stratégie que nous propose Sony mais qui a comme objectif de maintenir les prix stables au détriment de quelques modifications. En effet, cette nouvelle version proposera une capacité de stockage réduite, passant de 1 To à 825 Go. Une régression par rapport à ce que Sony nous propose déjà, malgré un prix stabilisé dans le temps juste avant les fêtes de fin d’année.

Cette information, nous la devons à des documents de certifications partagés sur le net, émanant de l’autorité de régulation japonaise. Ceux-ci révèlent l’existence d’un nouveau modèle : le CFI-2100, successeur du châssis D CFO-2000. Le design ne change pas car cette révision semble viser essentiellement l’optimisation des coûts de production avec, éventuellement, quelques ajustements internes mineurs. Malheureusement, ce changement toucherait directement l’argument principal de la version Slim numérique, son stockage. Passant désormais à 825 Go pour ce nouveau châssis, le E, dont le numéro de série sera le CFI-2100 et, plus exactement, la référence CFI-2116. (ceux-ci seront visibles sur le carton lors de l’achat). Toutefois, la PS5 Slim Standard avec le lecteur de disques conserverait quant à elle son SSD de 1 To.

Actuellement, seule la version européenne de la console afficherait les modifications avec la mention « 825 Go » clairement mise en évidence sur le nouveau packaging. Concernant le prix de cette nouvelle version, il n’y aura pas de baisse et elle sera toujours proposée à 499 €. Le modèle standard conserve lui aussi son prix et devrait suivre cette modification à l’avenir.

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Activision et Paramount unissent leurs forces pour porter l’univers de Call of Duty au cinéma. Un projet ambitieux qui vise à transformer l’une des plus grandes franchises vidéoludiques en un blockbuster mondial.

Activision et Paramount s’associent pour un projet d’envergure : l’adaptation de la franchise vidéoludique Call of Duty au cinéma. Ce partenariat inédit ambitionne de transposer l’univers emblématique de la série sur grand écran, mêlant l’expertise de Paramount dans la production de blockbusters à la puissance culturelle et commerciale de l’une des licences les plus populaires de l’histoire du jeu vidéo.

Avec plus de 500 millions d’exemplaires vendus et une place de leader sur le marché américain depuis 16 ans, Call of Duty est bien plus qu’une simple licence du jeu vidéo : c’est un phénomène mondial qui a marqué plusieurs générations de joueurs grâce à sa dimension narrative et son impact sur la culture populaire. Ces atouts en font un candidat naturel pour une adaptation cinématographique de grande ampleur.

Paramount, filiale du groupe Skydance, prendra en charge le développement, la production et la distribution d’un film en live-action. L’objectif est de rester fidèle aux éléments iconiques de la saga tout en l’ouvrant à un public plus large, au-delà de la communauté de joueurs. Cette transposition promet de conjuguer réalisme, intensité et spectacle, à l’image des succès récents du studio.

Activision et Paramount entendent faire de ce film un événement mondial, pensé à la fois pour les fans de longue date et pour ceux qui découvriront l’univers à travers le cinéma. L’ambition affichée est de livrer une expérience immersive, capable de rivaliser avec les plus grands blockbusters, et de prolonger l’héritage déjà immense de Call of Duty.

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La culture japonaise est de plus en plus représentée dans la sphère vidéoludique, à l’image d’Assassin’s Creed Shadows, de la série des Yakuza ou encore du prochain Ghost of Yotei. Mettant surtout en avant l’image du Japon à travers différentes époques, on en oublierait presque les petits détails qui en font toute sa richesse. Pour remédier à cela, Bandai Namco et GYAAR Studio ont décidé de nous proposer un plateformer plutôt original sur l’art du pliage de papier : l’origami. Une aventure joliment emballée, mais qui peine à nous offrir un voyage réellement palpitant.

Test réalisé sur PS5 à l’aide d’une copie envoyée par l’éditeur

Une histoire tenant sur… un bout de papier 

Avec son esthétique centrée sur l’art du pliage pour donner vie à des figures et des animaux, Hirogami nous propose moins une grande fresque narrative qu’une expérience « cozy », tranquille, sans prise de tête. Cette orientation se ressent dans la trame principale, qui peut se résumer ainsi : le joueur incarne Hiro, un guerrier déchu au lourd passé, souhaitant se racheter en sauvant un village frappé par un étrange fléau. Malheureusement pour lui, tous les pouvoirs qui faisaient de lui un héros ont disparu. À nous de les retrouver dans ce monde de papier, tout en essayant de comprendre ce qui se cache derrière cette mystérieuse épidémie numérique. Le scénario n’est donc ni des plus palpitants, ni des plus complexes, mais cela permet à n’importe qui de suivre l’histoire – même les plus jeunes – sans se prendre la tête.

Pourtant, à travers ce récit léger, se dessinent des personnages assez attachants. Certains, comme un tatou ou même un gorille, vous offriront de nouvelles compétences bien utiles pour progresser. En plus de Hiro, un autre personnage accompagne notre protagoniste et joue le rôle d’interrogateur sur son passé. Un petit artifice qui évite d’oublier la raison pour laquelle notre héros a perdu ses capacités et pourquoi il semble douter de lui alors qu’un immense pouvoir lui est promis. Car oui, sans ces petites interventions, on en oublierait presque le « pourquoi » de l’histoire. Certaines zones d’ombre subsistent néanmoins : la présence d’une des armes les plus puissantes de l’univers ou encore notre lien particulier avec la divinité locale, la grue, restent inexpliqués.

Même si l’absence de profondeur scénaristique peut paraître dommage, elle découle sans doute de la volonté de faire de Hirogami un titre reposant. Une intention qui paraît toutefois un peu contradictoire lorsqu’on se confronte à son gameplay parfois lourd et pataud, le tout dans une perspective qui rappelle certains vieux classiques comme Crash Bandicoot.

Tout est une question de perspective

Avec une histoire assez simpliste, on s’attendrait presque à un gameplay qui suive cette logique. Pourtant, même si les mécaniques ne semblent pas complexes, Hirogami cache bien son jeu et peut vite devenir difficile pour celles et ceux ayant du mal à percevoir la profondeur. En effet, au-delà des contrôles respectant les bases d’un plateformer 3D – saut, double saut et attaque -, c’est surtout le choix d’une caméra fixe suivant le personnage qui marque. Une proposition intéressante, permettant aux développeurs de diriger notre regard exactement là où ils le souhaitent, avec des angles spécifiques selon les situations : plongée, contre-plongée, vue aérienne… L’idée fonctionne bien, notamment lors de petites cinématiques présentant le terrain ou encore à la résolution d’un niveau via l’activation d’un sanctuaire. Mais voilà, ce choix amène un premier hic : la maniabilité de Hiro.

En plus de vouloir déplacer cette caméra, notre premier réflexe reste d’appuyer sur toutes les touches, et indirectement celui du saut. Et c’est dès cette première action que l’on comprend que les phases de plateformes corsées risquent d’être compliquées. Hiro a, malheureusement, un saut lourd. Les sauts sont lents, n’offrent pas réellement la possibilité de se repositionner en l’air, ce qui rend chaque phase un peu technique, frustrante à certains moments. N’attendez pas non plus un dash salvateur pour corriger un mauvais calcul : Hiro ne possède que la faculté de se transformer en feuille de papier pour planer légèrement. En revanche, d’autres compétences viendront contrebalancer ces défauts, qu’il s’agisse de la vitesse ou du saut.

L’une des principales mécaniques de gameplay d’Hirogami repose sur son système de transformations. Origami oblige, Hiro peut se métamorphoser en trois animaux, chacun apportant une nouvelle manière de jouer : le tatou, capable de rouler et de briser des caisses ; la grenouille, qui saute plus haut tout en crachant de la salive ; et enfin le gorille, qui s’agrippe aux lianes et fracasse tout sur son passage. Comme dans l’art du pliage, il faudra maîtriser ces formes pour réussir les niveaux et s’extirper de situations parfois délicates. On regrettera cependant l’effet « patinoire » lors des changements de transformation, qui nous a fait rater plus d’un atterrissage.

Avec un nom aussi évocateur, le Fléau sera bien sûr notre principal ennemi, et il placera sur notre chemin de petites anomalies plus ou moins gênantes. Certaines sont inoffensives, d’autres agressives – fonçant sur nous ou tirant à distance -, tandis que d’autres encore prennent possession d’animaux et reprennent nos propres capacités. Mais pas de panique : en plus de ses transformations, Hiro dispose d’un éventail magique capable d’asséner de puissants coups une fois chargé. Les combats alternent entre arènes et zones ouvertes, sans jamais représenter une véritable difficulté dans les premiers chapitres. Encore une fois, votre principal adversaire ne sera pas les monstres… mais la caméra, qui vous empêchera de repérer certains ennemis bien cachés.

Avec une durée de vie d’environ cinq heures, réparties sur une dizaine de chapitres, Hirogami se laisse jouer, sans pour autant être une véritable claque en termes de prise en main. Mais ce serait oublier ses décors chatoyants et son habillage sonore, qui réussissent à apaiser après un saut raté.

De belles feuilles de Canson 

Difficile de ne pas penser à Tearaway, sorti en novembre 2013 sur PlayStation 4. En effet, Hirogami pioche dans les idées de ce que Media Molecule proposait déjà, tout en se les appropriant pour offrir un monde de papier riche et convaincant. Ne vous attendez pas à y voir un bestiaire immense ni une distance d’affichage incroyable : Hirogami construit son univers sur une base simple de puzzles et de plateforming, enrichie de couleurs vives et d’une bande-son japonaise mettant à l’honneur les instruments traditionnels. Origami oblige, l’ensemble des décors est constitué de papier : rochers, arbres, champignons… tout y passe, sauf quelques effets de particules comme la lave ou l’eau. Le rendu visuel, agrémenté d’un effet de bokeh sur les arrière-plans, donne une agréable impression de miniaturisation.

Un choix esthétique est assumé jusqu’à la carte principale, qui fait office de hub à la manière d’un Mario, regroupant tous les chapitres. Hiro et ses compagnons y parcourent un livre posé sur une table, renforçant cette impression de maquette miniature. Parfois, ce sont de petites cinématiques qui mettent les décors en valeur, et d’autres fois des illustrations lors de la libération des boss du Fléau. Quant aux musiques, elles se révèlent agréables lorsqu’on tend l’oreille, mais restent assez oubliables en jeu. Dommage, car elles offrent de belles partitions pendant l’exploration. Au final, on retiendra une technique solide, sans bug visuel, servie par un effet « stop motion » plaisant, sans pour autant atteindre des sommets.

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Après un suivi remarquable depuis sa sortie en février 2024 sur PS5 et PC, Helldivers 2 arrive enfin sur Xbox Series X|S. La démocratie a besoin de vous et recrute désormais au-delà de ses sphères habituelles. Hormis la série MLB The Show, il s’agit du premier jeu édité par Sony à paraître sur Xbox Series X|S — un événement notable dans l’industrie vidéoludique. Nous nous sommes relancés dans la guerre avec des amis et les sensations de jeu sont toujours au rendez-vous.

Test réalisé sur Xbox Series X grâce à une version numérique fournie par l’éditeur

Comme un air de Starship Troopers

La Direction des Ressources Humaines de la Fédération de la Super-Terre a du travail pour cette rentrée. Après des campagnes de recrutement massives destinées aux joueurs PS5 et PC, elle s’attelle désormais à un nouveau profil de joueur : ceux disposant d’une Xbox Series X|S. Comme d’habitude, une séance d’entraînement sera nécessaire en amont pour bien maîtriser les nombreuses possibilités de gameplay offertes par le jeu. Sprinter, sauter, se soigner, tirer, demander du soutien — qu’il soit matériel ou explosif — sont autant de commandes de base qui nécessitent de l’entraînement et plusieurs parties pour trouver le bon équilibre et disposer du bon équipement. Et quand tout cela est porté par un ton léger et un humour second degré appréciable, que demander de plus ?

Ayant eu l’occasion de jouer une dizaine d’heures sur la version PS5, nous pouvons confirmer qu’Arrowhead Game Studios a fourni un travail conséquent, avec de nombreuses mises à jour venues enrichir un contenu de base initialement critiqué. Les joueurs Xbox découvrent donc Helldivers 2 dans une version bien plus fournie en contenu, avec plus d’une dizaine de mises à jour déjà déployées. Il n’y a pas à dire : le contenu proposé aujourd’hui vaut largement les 39,99 € demandés pour acquérir le titre. À condition, bien sûr, d’y jouer avec des amis — sans quoi le jeu perd une grande partie de son intérêt (nous y reviendrons dans la prochaine sous-partie). Le titre n’est pas disponible à sa sortie dans le Xbox Game Pass et la case achat est donc indispensable, mais un abonnement au service en ligne de Microsoft sera obligatoire pour jouer avec d’autres joueurs en ligne.

On retrouve ainsi tous les contenus sortis depuis plus d’un an, ainsi que l’ensemble des cosmétiques des précédentes campagnes. Bien évidemment, tout cela doit être débloqué via de la monnaie virtuelle, récupérable en enchaînant les missions. Vendu comme un jeu-service, il est également possible d’investir de l’argent réel pour obtenir des crédits in-game. Si vous souhaitez débloquer les skins de vos rêves, il est clairement recommandé d’investir dans le jeu – à moins d’être prêt à enchaîner des dizaines et des dizaines de parties pour accumuler la monnaie nécessaire.

La coopération, la base d’une bonne relation

Comme évoqué précédemment, Helldivers 2 n’est pas un jeu PvP, mais bien un PvE à quatre joueurs. Bien qu’il soit possible d’y jouer en solo, le jeu n’est clairement pas conçu pour cela, et certaines missions seront extrêmement difficiles, voire impossibles, à accomplir seul. La communication est essentielle, et le chat in-game joue un rôle clé pour assurer une parfaite coordination entre les membres de l’équipe. Ici, il n’est pas question de guerre entre amis ou ennemis, mais bien d’esprit d’équipe et de coopération.

Il faudra donc collaborer avec des amis ou d’autres joueurs en ligne pour affronter les nombreuses menaces qui tenteront de freiner votre soif de défendre la Démocratie. Lors de la sortie du jeu, les objectifs et les ennemis manquaient de variété, ce qui donnait une impression de redondance. Mais après plus d’un an de mises à jour successives, le titre propose désormais un bestiaire étoffé : robots, insectes, tanks, drones volants… Autant de menaces qui exigent une bonne lecture de la situation et le choix judicieux des armes pour les vaincre efficacement.

Les objectifs, eux, restent relativement répétitifs : débloquer des codes d’accès sur deux sites, détruire une tour via un canon avant de fuir, défendre une zone ou saboter un élément clé de l’ennemi. Ce manque de renouvellement n’est pas rédhibitoire, car le gameplay compense largement par sa richesse. Parmi les éléments marquants : la perte des munitions restantes lors du rechargement, une endurance limitée, ou encore une jauge d’ennemis invisibles qui ajoutent une vraie tension. Pour faire face, vous disposerez d’un arsenal varié : armes primaires et secondaires, grenades, et de nombreux stratagèmes comme les frappes orbitales pour nettoyer la zone. Selon les objectifs, il est recommandé d’adapter votre build plutôt que de conserver le même équipement d’une mission à l’autre.

Le simple fait de jouer en équipe, avec une communication fluide et une ambiance épique, donne envie de relancer le jeu encore et encore. Attention toutefois : vos alliés peuvent vite devenir un poids si le tir allié est mal géré. Une frappe aérienne mal placée ou un ami qui se met devant vous au mauvais moment peut entraîner votre mort… et nécessiter une réapparition par l’un de vos coéquipiers.

Car dans Helldivers, le plaisir ne vient pas uniquement des objectifs, mais aussi de l’exploration minutieuse à la recherche de ressources et de munitions. Chaque combattant dispose de capacités spéciales, activées via une combinaison de touches. Sous pression, une mauvaise manipulation peut vous coûter cher. Et comme pour les capacités, la réapparition d’un coéquipier nécessite également une action manuelle de la part d’un allié.

Une version Xbox Series X passée au crible

Contrairement aux deux autres versions, la mouture Xbox Series X|S de Helldivers 2 est développée par Nixxes Software, une entreprise néerlandaise spécialisée dans les portages, rachetée par Sony en 2021. Connue pour ses adaptations sur PC – et désormais sur Xbox – Nixxes a récemment travaillé sur Ratchet & Clank: Rift Apart, Horizon Forbidden West: Complete Edition, The Last of Us Part II Remastered, Ghost of Tsushima: Director’s Cut, ainsi que les trois épisodes de Marvel’s Spider-Man. Chaque portage a été salué par la presse et les joueurs. Helldivers 2 ne fait pas exception, bien que des mises à jour d’optimisation soient encore attendues.

Sur Xbox Series X, deux modes graphiques sont proposés :

• Haute Performance : 1080p / 60 fps
• Qualité : 4K natif / 30 fps

Nous recommandons le mode Performance, bien qu’il souffre de ralentissements visibles, avec des pertes de 5 à 10 images par seconde lors de scènes visuellement chargées. À noter également : des effets de lumière et des textures légèrement moins aboutis que sur PS5, sans que la différence soit réellement gênante.

Bien entendu, on passe de la DualSense à la manette Xbox. Malgré l’absence des gâchettes adaptatives, les sensations de jeu restent excellentes, avec une prise en main réussie et des vibrations bien dosées. Comme mentionné précédemment, cette version Xbox prend en charge le cross-play avec les autres plateformes. Aucune création de compte intermédiaire n’est requise (pas d’association à un compte PlayStation), ce qui simplifie l’ajout d’amis via un système de code ami.

En revanche, cette absence de liaison avec un compte PlayStation empêche toute cross-progression. Vous recommencerez donc au niveau 1, et vos achats (skins, monnaie, etc.) réalisés sur d’autres supports ne seront pas transférés. Un point à considérer si vous êtes joueur PC et que vous envisagez de basculer vers la version Xbox. Enfin, les succès Xbox sont bien présents, avec des intitulés similaires à ceux des trophées PlayStation.

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Kojima Productions s’apprête à fêter ses dix ans d’existence avec un événement baptisé Beyond the Strand et programmé pour le 23 septembre prochain à Tokyo. L’occasion pour le studio de détailler ses projets à venir.

Depuis sa création en 2015, le studio a rapidement marqué les esprits avec Death Stranding en 2019 et sa suite début 2025. Diffusé en direct, l’événement permettra de revenir sur cette décennie de créations avec des invités triés sur volet. Nous nous attentons par exemple à voir Norman Redus ou encore, pourquoi pas, l’auteur-compositeur-interprète de génie Woodkid, car ils ont tous les deux grandement contribué aux précédents titres.

Ce sera aussi l’occasion pour le studio de dévoiler une partie de sa feuille de route. Car oui, parallèlement, Kojima Productions développent OD, un jeu d’horreur conçu en partenariat avec Xbox Game Studios ainsi qu’un nouveau jeu d’espionnage en collaboration avec PlayStation qui devrait également voir le jour d’ici à quelques années. Les fans espèrent secrètement un jeu dans le même esprit que les premiers Metal Gear.

Nous avons hâte de découvrir ce que nous réserve ce très cher Kojima le 23 septembre prochain et on espère en découvrir davantage sur ses jeux en développement.

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Dans seulement trois petits jours à l’heure où nous écrivons ces lignes, Star Wars Outlaws va débarquer sur Nintendo Switch 2 dans une Gold Edition avec l’ensemble des contenus téléchargerables inclus. Mais l’éditeur français n’a pas daigné à montrer de vidéos de gameplay mettant en avant la technique et la qualité du portage. Une personne a donc réussi à mettre la main sur la version physique du titre (carte clé de jeu) et a diffusé sur YouTube une quarantaine de minutes qui semblent très prometteuse.

Il n’est pas rare que les joueurs récupèrent une copie physique de leur jeu avant la date de sortie officielle. C’est le cas pour le joueur mataleao (pseudo YouTube) qui a ainsi pensé à nous et aux plus curieux en capturant et en diffusant une première séquence du jeu sur la plateforme vidéo de Google. Aux premiers abords et après un temps de chargement initial quelque peu longuet, le tout semble fluide et il n’y a pas de ralentissements apparents à constater : une bonne nouvelle qui traduit un bon travail d’Ubisoft.

Bien entendu, il s’agit ici d’une capture vidéo en mode docké avec une station d’accueil qui refroidit le processeur. Nous attendons de mettre la main sur ce portage pour également tester ce Star Wars Outlaws en configuration portable, disposition où la plupart des jeux mettent à mal la console puisque la puissance électrique fournie est moindre. En attendant, vous pouvez retrouver la première vidéo de gameplay ci-dessous, en attendant sa sortie sur Nintendo Switch 2 le 04 septembre prochain.

En attendant, Star Wars Outlaws est disponible sur PS5, Xbox Series X|S et PC.

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Suite du célèbre Hollow Knight ayant instauré les bases d’un univers riche et intriguant, Hollow Knight: Silksong arrive et va développer encore plus son histoire. Les joueurs du premier jeu le savent, ce nouvel épisode risque d’être plus exigeant aussi bien sur son gameplay que sur son histoire. Mais avant de tisser les fils de votre nouvelle aventure, il est intéressant d’en savoir un peu plus à son sujet.

Développé par la Team Cherry pendant un peu plus de 7 ans, Hollow Knight: Silksong pose enfin ses valises après de nombreux reports ainsi que des nouvelles très éparses par les développeurs. Suivi par une communauté de joueurs fidèles, Hollow Knight: Silksong a la lourde tâche de faire aussi bien, voire mieux, que son grand frère. Mais saviez-vous qu’à l’origine, Hollow Knight: Silksong aurait dû être un DLC pour Hollow Knight ? Ou encore que celui-ci comportera une carte deux fois plus grande que son prédécesseur ? Si ce type d’information vous intéresse pour savoir si Hollow Knight: Silksong est fait pour vous, voici les 5 choses à savoir avant d’y jouer.

Le développement d’Hollow Knight: Silksong

Les origines d’Hollow Knight: Silksong, c’est aussi celle d’un projet qui a pris tout le monde par surprise avant de se faire longuement attendre. Initialement prévu comme un DLC pour Hollow Knight centré sur le personnage de Hornet, un énigmatique central qui porte son lot de mystère, le projet a rapidement pris de l’ampleur. Face à la richesse des idées et au potentiel narratif qu’apportait ce nouvel axe de développement, la petite équipe de 3 développeurs qui composent la Team Cherry a décidé d’en faire un jeu complet. Une évolution ambitieuse, mais qui a nécessité du temps, beaucoup de temps.

Annoncé officiellement en 2019, Silksong a ensuite disparu des radars pendant plusieurs années, devenant par la même occasion source de moqueries et de blagues quant à de possibles nouvelles images de sa part. Sans communication régulière, chaque apparition, que ce soit via une démo ou un trailer, a été disséquée par les fans. Entre silence radio, pandémie mondiale et ambitions revues à la hausse, le développement de Silksong s’est étiré sur sept longues années jusqu’à la confirmation de la date lors de la Gamescom 2025 : le 4 septembre 2025.

Cette longue gestation a permis à l’équipe d’enrichir tous les aspects du jeu : nouveaux systèmes, nouveau monde, nouveau moteur de narration et une foule d’améliorations techniques. Une attente frustrante, certes, mais qui semble porter ses fruits. En effet, bien que nous ne connaissions pas encore la taille exacte de la carte, celle-ci semble être deux fois plus grande que celle proposée sur Hollow Knight. De quoi ravir les fans d’exploration, mais aussi nous perdre encore plus dans les dédales de ce nouvel univers.

Une nouvelle manière de jouer

Avec Silksong, la Team Cherry ne semble pas s’être contentée de proposer une version 1.5 d’Hollow Knight ou d’une simple suite. Le gameplay a été entièrement repensé autour du personnage de Hornet, bien différent du Chevalier. En effet, dans le jeu original, la taille du Chevalier ne lui permettait pas de faire d’acrobatie, à la différence de Hornet qui, bien plus grand, offre une plus grande variété de mouvements.

Hornet est plus rapide, plus agile et surtout plus acrobatique, rendant le jeu beaucoup plus nerveux que son grand frère. Ainsi, l’exploration gagne en verticalité de par son nouveau personnage, les combats demandent plus de réactivité avec des ennemis plus féroces que jamais. Fini les simples coups d’aiguille et les pouvoirs du Chevalier : Hornet enchaîne les attaques, esquive, bondit, s’accroche à des parois ou aux adversaires grâce à son aiguillon pour varier les approches. Sa mobilité transforme ainsi radicalement la manière de parcourir les nouveaux environnements, devenus plus verticaux.

Mais le changement ne s’arrête pas là. Contrairement au Chevalier, assez froid, envoyé dans une quête aussi énigmatique que d’une tristesse absolue, Hornet interagit, exprime des émotions. Elle est pleinement intégrée dans l’histoire, avec une personnalité affirmée et une quête personnelle : celle de sauver un monde en détresse. Ce choix donne au jeu une narration plus directe et incarnée, là où Hollow Knight misait sur le mystère et l’implicite. Déjà attachant par son caractère affirmé dans le premier jeu, son histoire personnelle risque de toucher encore plus les joueurs.

La région de Pharloom, plus verticale que jamais

Si Hollow Knight se déroulait dans les sombres et mystérieuses profondeurs de Hallownest, Silksong nous emmène dans un royaume complètement nouveau : Pharloom. Cette terre étrangère proposera des environnements plus lumineux, plus verticaux, mais ne vous y trompez pas : la beauté cache souvent le danger. Là où on s’enfonçait dans les profondeurs dans le premier, ce nouveau volet nous pousse vers la surface. Plus complexe et tout aussi vaste, ce nouveau monde promet des biomes variés avec des cités suspendues, des cavernes toxiques et même un chantier, tous regorgeant de secrets à percer.

Chaque zone devrait offrir son lot d’exploration non linéaire, fidèle à l’esprit metroidvania, mais avec une architecture pensée autour de la mobilité acrobatique de Hornet. Attendez-vous à grimper, bondir et slalomer dans un décor aussi sublime que mortel. Pourtant, il y aura bien du Hollow Knight dans ce nouveau titre, car il sera possible de retrouver des mécaniques amenées par le premier : le voyage entre des stations de train, des zones de recharges d’énergie ou encore des villes où il sera possible de faire des emplettes. Villes qui prendront un nouveau sens avec des PNG beaucoup plus actifs.

Un système de quête plus étoffé

L’un des ajouts majeurs de Silksong est l’introduction d’un journal de quêtes. Finis les objectifs flous ou laissés à l’interprétation : cette fois, plusieurs types de missions sont proposés, allant de l’exploration à la chasse de monstres, en passant par des services rendus aux habitants de Pharloom.

Ce système donne au monde une impression de vie et de progression plus forte ainsi qu’une implication plus importante dans une histoire qui semble moins cryptique que la première. Cela pourrait ainsi permettre à davantage de joueurs à s’intéresser au titre, qui semble être plus grand public que ce que nous laissent croire les trailers. Le tout reste bien sûr optionnel pour les puristes de l’exploration libre. Reste à savoir si ces quêtes nous apporteront de nouveaux objets, permettant à Hornet de contrebalancer son manque de pouvoir, ou alors si un système d’économie plus poussé a été mis en place. De même, il n’est pas impossible que ces quêtes débloquent de nouveaux embranchements, comme ce fut le cas avec les différentes fins proposées dans Hollow Knight en fonction de nos actions passées.

Confirmé par les membres de l’équipe, des DLC sont déjà prévus pour la suite de l’aventure, ce qui nous pousse à croire que le monde de Pharloom sera bien plus vaste en personnages, et donc en quêtes, qu’Hollow Knight. Nous rapprochant ainsi vers un RPG Metroidvania.

Une bande-son toujours signée de Christopher Larkin

Impossible de parler de Hollow Knight sans évoquer son incroyable bande-son. Et les fans peuvent déjà être ravis, car pour Silksong, le compositeur Christopher Larkin est de retour. Plus légers, parfois plus mélodiques, avec un accent appuyé sur l’utilisation d’instruments à cordes, en référence au personnage de Hornet, ils accompagnent avec finesse les nouvelles ambiances de ce nouvel épisode.

Il reste encore de nombreuses zones d’ombre à l’heure où nous écrivons ces lignes. Pour pouvoir y répondre, rendez-vous le 4 septembre 2025 sur PlayStation 4 & 5, Xbox Series X|S et One, Nintendo Switch 1 & 2 et PC.

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Après avoir travaillé pendant de nombreuses années sur Hitman: World of Assassination et ses nombreux contenus téléchargeables, IO Interactive se consacre désormais principalement à 007 First Light. Ce nouveau jeu d’infiltration mettant en scène le célèbre espion britannique est de plus en plus mis en avant, bien que nous attendions encore la première vidéo de gameplay. Un State of Play de 30 minutes est prévu dans deux jours, et devrait nous apporter des informations très attendues.

Si vous êtes fan de James Bond et que vous attendez avec impatience la proposition de IO Interactive autour de ce personnage mythique du jeu vidéo, cette annonce devrait vous intéresser. En effet, un State of Play d’environ 30 minutes, entièrement consacré à 007 First Light, aura lieu ce mercredi 3 septembre à 20h00 (heure de Paris).

La première mission sera notamment présentée, avec une course-poursuite en voiture, des séquences d’infiltration à pied, et des fusillades. D’autres informations seront également dévoilées à l’issue de cette séquence de gameplay, directement par les développeurs.

Pour suivre l’événement, il suffira de lancer la vidéo ci-dessous lorsque la conférence aura lieu :

Pour rappel, 007 First Light devrait sortir dans le courant de l’année 2026 sur PS5, Xbox Series X|S, Nitnendo Switch 2 et PC.

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Malgré son univers insectoïde et les petits gabarits de ses personnages, Silksong s’annonce comme un raz-de-marée dans l’industrie. De nombreux jeux ont préféré reporter leur date de sortie, de peur de passer inaperçus aux côtés du géant de la Team Cherry, malgré la qualité qu’ils semblent posséder eux-aussi. Découvrez tous ces prochains titres indépendants qui méritent aussi un peu de lumière.

Little Witch in the Woods

[Release Date Update]Little Witch in the Woods has been rescheduled:
September 4 → September 15, 2025.

We sincerely apologize, and promise to make your wait worthwhile. pic.twitter.com/qhFgxEDwvl

— Little Witch in the Woods (@SunnySideUp_DEV) August 26, 2025

Repoussé au 15 septembre 2025 sur PC et Xbox Series, Little Witch in the Woods nous fera incarner une petite sorcière vivant dans les bois avec un univers aussi mignon que tranquille, le tout servi par une direction artistique en pixel art aussi magnifique qu’agréable. À vous les charmantes explorations sylvestres, les rencontres farfelues et le mélange d’ingrédients pour faire des potions bizarres.

Surement un must-have pour nous reposer après les combats ardus de Silksong !

Megabonk

Toujours dans le genre de la fantasy, mais avec un registre plus absurde, Megabonk incline ses muscles face à la concurrence pour les ressortir plus brillants que jamais le 18 septembre 2025 sur Steam. Le but ici sera de décimer des hordes d’adversaires avec une grande variété de pouvoirs et de personnages à créer vous-même.

Que vous soyez un chevalier méga-chad qui détruit juste en montrant ses biceps ou un squelette en skateboard, peu importe, les ennemis arriveront par vagues pour vous écraser. Littéralement, par vagues.

Demonschool

This was not our choice but we understand why the choice was made. We aren't mad at Ysbryd but at the situation. Dropping the GTA of indie games with 2 weeks notice makes everyone freak out. Ysbryd is being a good partner and paying for the delay. We're sorry this is happening.

— Necrosoft Games (@necrosoftgames.com) 2025-08-25T17:34:56.007Z

Necrosoft Games sont les développeurs du tant attendu Demonschool, un RPG Tactique où l’on incarne des personnages rejetés par la société, mais combattant des démons pour la protéger. Les gameplays sont variés et superbement illustrés avec une patte graphique à la fois unique et nostalgique.

Sans oublier également l’aspect hautement stratégique du titre, où une bonne planification offre les clefs de la victoire. Le jeu est cependant reporté jusqu’au 19 novembre 2025, sur Nintendo Switch, PlayStation 4 et 5, Xbox Series, et PC.

CloverPit

GAME DELAY due to Silksong (can’t wait to play) launching just a day after CloverPit, we decided to delay our releaseour new release date is 26th Septwe poured our hearts into our little game, so we want to give it the best possible shot. thanks for understanding!!

— Panik Arcade making CloverPit (@panikarcade.bsky.social) 2025-08-22T13:23:11.324Z

Le rogue-lite cauchemardesque de machine à sous s’annonce finalement pour le 26 septembre 2025 sur Steam. De quoi patiemment s’endetter avant de tomber dans la machine infernale. Si vous avez aimé Balatro et son ambiance, alors vous adorerez Cloverpit et ses systèmes de chances, aussi sournois que manipulateurs. À vous de découvrir comment vaincre la maison et rembourser la dette de votre vie.

Faeland

Our v1.0 launch was set for Sept 9, but with today’s Silksong news we’ve made the tough call to postpone. A new date is coming soon, thank you all for the love and support pic.twitter.com/Lh07iGLHHn

— TALEGAMES (@Talegamesnews) August 21, 2025

Le succès autrefois oublié de Kickstarter commençait tout juste à pointer le bout de son épée, avant que Silksong n’intervienne. Si la date de sortie de Faeland est encore inconnue, on vous conseille de rester attentifs aux nouvelles concernant ce superbe jeu d’aventure-fantasy prévu sur Steam. Inspiré par les classiques de l’époque 8-bits, Faeland nous plonge dans une histoire épique où l’on jouera un avatar personnalisable, parcourant le monde et ses mystères, afin de devenir le héros dont le monde a besoin.

La plupart de ces jeux seront disponibles sur PC et quelques-uns sur console, avec souvent une démo déjà disponible sur ces plateformes. Nous vous encourageons vivement à tester si un de ces titres vous a enchanté avec son univers et son ambiance. Qui sait, il pourrait vous plaire autant que Silksong une fois que vous aurez terminé ce dernier, voire prendre une place particulière dans votre petit cœur de joueur.

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Après des années d’attente, Lost Soul Aside arrive enfin sur PS5 et PC. Développé par le studio chinois UltiZero Games, le jeu a débuté avec le travail d’un seul développeur avant de devenir un titre soutenu par Sony. Avec son gameplay nerveux, son esthétique proche de Final Fantasy et Devil May Cry, le jeu a de quoi captiver.

Au fil de l’aventure, les joueurs devront résoudre de nombreux défis pour progresser. L’un d’entre eux se situe dans la région des Landes Hautecrête – Lac Mireste, où une barrière bloque l’accès à la suite de la zone. Pour lever cette barrière, il faut activer trois monolithes disséminés dans les environs. Ce guide vous explique où les trouver et comment débloquer le passage.

Premier monolithe – Le théâtre ancien et le golem électrique

Le premier monolithe se situe dans une ruine rappelant un ancien théâtre. Une fois à l’intérieur, préparez-vous à affronter un golem aux électriques. Il n’est pas très difficile d’en venir à bout.

Deuxième monolithe – Aux abords du village

Le deuxième monolithe se trouve à proximité du village du Lac Mireste. Pour l’obtenir, un mini-jeu vous est proposé : collecter plusieurs boules d’énergie en un temps limité. Le monolithe se trouve au bout du chemin. Toutefois, bonne nouvelle, il n’est pas nécessaire de réussir ce défi pour activer le monolithe. Vous pouvez donc l’ignorer et aller directement interagir avec lui.

Troisième monolithe – L’aqueduc effondré

Pour trouver le dernier monolithe, rendez-vous sur l’aqueduc effondré qui domine la zone. Là encore, un mini-jeu similaire à celui du village est disponible, mais il reste optionnel. Traversez les plateformes jusqu’au bout de l’aqueduc et vous découvrirez le monolithe.

Une fois les trois monolithes activés, la barrière des Landes Hautecrête – Lac Mireste pourra disparaître, vous ouvrant la voie vers la suite de l’aventure.

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Si vous estimez que l’Entreterre ne vous propose plus de défis, alors cette annonce devrait réveiller la flamme en vous : From Software prévoit une toute nouvelle difficulté pour vos Expéditions dans les ténèbres, qui vous confrontera à vos pires craintes.

Sorti depuis le 30 mai 2025, Elden Ring Nightreign a beau ajouter des mises à jour et de nouveaux ennemis dans son bestiaire, voire enfin inclure le mode deux joueurs tant attendu. Cela ne suffit pas aux amateurs les plus chevronnés, ceux ayant parcouru tous les souls-likes et connaissant les patterns des monstres sur le bout des doigts.

Ainsi, si les Souverains des Ténèbres, les versions améliorées des boss du jeu, ne vous font plus peur, alors il est temps de plonger dans une nouvelle difficulté proposée par le studio : l’Abîme de la Nuit.

https://twitter.com/ELDENRING/status/1961066321329652193

• Disponible le 11 septembre
• Des ennemis communs plus redoutables
• Il sera impossible de connaitre le Seigneur Nocturne que vous affronterez lors de la sélection
• La carte n’indiquera plus la présence des terrains rares
• Des objets exclusifs à ce mode apparaitront, avec des bonus et des malus
• Une difficulté croissante, en fonction du nombre de victoires et de défaites
• Des combats sans fin pour les niveau de profondeurs 4 et 5

De plus, d’autres éléments confirmés de façon officielle annoncent l’apparition de nouvelles mécaniques propres à ce mode, comme l’accès à trois emplacements de reliques supplémentaires ou la présence d’effets supplémentaires chez les ennemis, comme le statut « magmafié » qui les fera se recouvrir d’un magma mortel pour le joueur.

Si jamais Elden Ring Nightreign commençait à vous ennuyer, alors découvrez ces nouvelles profondeurs, là où seuls les plus grands héros se permettent d’aller.

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Prévu pour début septembre 2025, Shuten Order intrigue dès le premier regard. Les trailers énigmatiques y sont pour beaucoup : des éclats de néons jaillissent sur un panneau façon comics, où se mêlent espoirs fous et craintes viscérales. Bienvenue dans Shuten Order, le nouvel OVNI de Kazutaka Kodaka (Danganronpa, Rain Code). Le créateur nous entraîne une nouvelle fois dans un univers à la fois flashy et sombre. Le combo est audacieux, mais déjà gagnant : la saga Danganronpa a su fédérer une communauté de niche, passionnée et toujours avide d’un nouveau jeu du même genre. Ici, les couleurs oscillent entre euphorie visuelle et tension tragique, avec la fin du monde aux portes du récit. PEGI 16 oblige, on y frôle le gore, la mort et la foi. Pourtant, chaque instant passé aux côtés de Rei Shimobe dégage une énergie irrésistible : celle d’un récit haletant où réflexion et retournements de situation se mêlent dans un tourbillon aussi angoissant que fascinant.

Test réalisé sur Nintendo Switch grâce à une version numérique fournie par l’éditeur

Quatre jours pour déjouer la fin du monde

L’histoire commence par une cinématique sublime où l’on apprend que le fondateur d’un nouveau micro-État gouverné par l’Ordre de Shuten a été assassiné. Cet événement totalement imprévu semblait même défier la volonté divine. Le fondateur revient miraculeusement à la vie grâce au pouvoir tabou de cette ville : le pouvoir de Dieu. Mais la bonne nouvelle s’accompagne aussitôt d’une mauvaise : ses souvenirs ont disparu, jusqu’à son propre nom.

Pas de panique : deux soi-disant anges, Himeru et Mikotoru, seront là pour vous donner une nouvelle identité (Rei Shimobe) et un prétendu métier pour rassurer les personnes que vous allez rencontrer : détective enquêtant sur la mort du Fondateur, en d’autres termes, sur sa propre mort. Des indices laissent sous-entendre qu’un membre du ministère est responsable de la mort de ce dernier. Il sera donc nécessaire d’aller enquêter de ce côté. Et comme un malheur ne vient jamais seul, Rei Shimobe devra retrouver ses souvenirs et le meurtrier en seulement quatre jours. S’il échoue, il perdra définitivement la vie. Il existe cependant une possibilité de revivre ces quatre journées indéfiniment jusqu’à percer le mystère et affronter le procès de Dieu à la toute fin.

La ville de Shuten est dirigée par le Fondateur, qui proclame une cité où le meurtre et le suicide sont interdits, gérée par un groupe religieux qui ne croit en aucun dieu et qui tuera quiconque priera. Oui, vous avez bien lu, un groupe religieux qui ne croit en aucun dieu, juste à la fin du monde. Cela annonce la couleur concernant les thèmes abordés : dictature, religion, croyances, mensonges… Et ce n’est qu’une partie des secrets que recèle Shuten.

La ville se décline en cinq ministères principaux, pour cinq ambiances différentes et par conséquent cinq façons de jouer. Justice, Santé, Science, Éducation et Sécurité, chacun propose une intrigue complète, qui s’entremêle avec celles des autres dans un labyrinthe narratif complexe. Chaque route constitue une enquête en soi, avec un style propre, des mécanismes dédiés et surtout une part du puzzle à reconstituer par la lecture, digne d’un visual novel complexe de qualité. Compléter toutes les routes est indispensable pour reconstituer la vérité, retrouver vos souvenirs… et peut-être empêcher l’apocalypse. À chaque fin de chapitre, Rei Shimobe pourra poser autant de questions qu’il souhaite pour savoir si le membre du ministère est bien responsable de la mort du Fondateur ou non, ainsi que ses motivations.

Jouer à Shuten Order n’est pas une simple expérience visuelle ou narrative : c’est une saga multigenre exigeante et dense. Avec cinq routes à explorer offrant chacune une ambiance unique, la durée de vie s’étend naturellement aux alentours de 25 à 30 heures pour les lecteurs rapides. Pour ceux qui prennent le temps de savourer chaque dialogue, ou qui butent sur certaines phases de gameplay, une bonne dizaine d’heures peut facilement s’ajouter. Bien évidemment, ce temps de jeu correspond à la volonté de découvrir toutes les facettes du titre, ses embranchements narratifs et ses secrets. Cette ampleur narrative assure une immersion profonde à la hauteur de l’ambition de Kodaka, déjà palpable dans Danganronpa ou la série Zero Escape.

Quand chaque chapitre change de peau

La particularité de Shuten Order ne réside pas uniquement dans son scénario particulier, mais aussi dans sa diversité de gameplay. Chaque ministère dispose de sa propre mécanique ludique, comme si cinq jeux différents s’étaient donnés rendez-vous dans une seule aventure. Et pourtant, le fil narratif reste présent, presque intact. Tous les chapitres devront être joués : il suffit de choisir au début de ces quatre jours quel ministère nous intéresse le plus sur l’instant pour plonger dans cet univers. Et on recommencera à la fin de ces quatre journées, avec un nouveau ministère. Cette particularité transforme chaque chapitre en expérience à part entière, déstabilisante et surprenante.

Du côté du ministère de la Justice, on trouve de belles références aux jeux d’enquête comme Apollo Justice, pour ne citer que lui. On enquête sur le meurtre de plusieurs personnes, à coups d’investigations de scènes de crime et de reconstitution des faits. Chaque réponse et déduction nous rapproche un peu plus de la vérité. Le ministère de la Santé bascule dans une approche radicalement différente : exploration 3D, salles piégées et énigmes retorses composent un véritable escape game sous haute pression, où chaque minute nous rapproche de la fin du monde. L’un des rares gameplays plus axés sur la réflexion avec diverses énigmes plus ou moins simples à résoudre. Elles se suivent de manière pertinente, avec une difficulté grandissante. Le ministère de la Science propose une approche plus littéraire, prenant la forme d’un visual novel complexe à embranchements multiples, dans l’esprit de la série Zero Escape. Chaque choix ouvre une vérité différente, qu’elle soit bonne ou mauvaise, jusqu’à ce que toutes les pièces du puzzle s’imbriquent dans un tableau plus vaste. Un chapitre dont nous reparlerons plus tard dans ce test, car si l’idée semblait originale sur le papier, en pratique elle est tout autre.

Dans un autre registre, le ministère de l’Éducation surprend par sa légèreté trompeuse : Rei Shimobe y est plongé dans une aventure romantique atypique, où il sera nécessaire de séduire la ministre de l’Éducation pour obtenir un antidote. Qui aurait cru qu’un rendez-vous pouvait être une question de vie ou de mort, à la manière d’un Doki Doki Literature Club ? Ce changement de gameplay radical amuse autant qu’il déstabilise. On prie pour notre personnage, en espérant faire les bons choix et en essayant de gagner le cœur de notre dulcinée. Enfin, le ministère de la Sécurité donne la part belle à l’action furtive et à l’horreur : il faut se cacher, fuir le Nephilim (une sorte de monstre qui veut notre peau à tout prix), résoudre des énigmes environnementales et retenir son souffle dans un univers oppressant, teinté de sang et de rebondissements. Le gameplay de la sécurité est donc classique, mais plaisant dans un visuel novel. On se sent véritablement acteur du jeu, la peur au ventre de rencontrer un monstre prêt à nous tuer. On retient notre souffle quand on se cache, et on cherche les indices sur l’identité de Nephilim tout du long.

Au total, cette diversité mécanique façonne une fresque vidéoludique unique. On passe de la réflexion logique à l’adrénaline, de l’émotion troublante à la peur viscérale, sans jamais perdre le fil conducteur de l’histoire : la vérité sur la mort du Fondateur et la résolution du mystère autour de l’Ordre de Shuten. Cette variété n’est pas un simple prétexte : chaque rencontre a un sens. Chaque ministère permet au joueur d’avancer pour découvrir ce que la prochaine épreuve lui réserve. Car dans Shuten Order, chaque route répond à des questions différentes, nous apprend de nouvelles informations et nous retourne le cerveau. Le jeu ne se contente pas de raconter une histoire : il la fait vivre à travers cinq prismes, avec autant d’émotions dans chaque parcours. Attention, chaque détail compte et la fin remettra en cause toute la vision du jeu, digne d’une œuvre du créateur de Danganronpa. On a été choqué, on a été déçu, mais on retiendra surtout cette fin qui nous aura ouvert les yeux.

BD animée, frissons et rythmes endiablés ou presque

Impossible d’évoquer Shuten Order sans parler de son esthétique. Le jeu frappe d’abord par son style visuel, résolument inspiré du comics : des aplats de couleurs vives, des néons qui explosent à l’écran (à la manière de Rain Code et ses néons resplendissants), des transitions comme découpées dans une bande dessinée animée. On pense immédiatement au film Promare du studio Trigger pour cette énergie incandescente et ces couleurs qui explosent la rétine. Ce contraste entre la vivacité des couleurs et la noirceur des thèmes abordés (mort, religion, dictature, apocalypse…) confère au jeu une identité spéciale, à la fois hypnotisante et dérangeante.

La bande-son, signée Masafumi Takada, complète à merveille ce tableau. Fidèle à l’esprit de ses compositions pour Danganronpa, elle alterne entre morceaux frénétiques aux rythmiques étranges et passages plus atmosphériques. Chaque affrontement verbal, chaque révélation, chaque séquence de survie s’accompagne d’une couche sonore qui accentue les émotions ressenties.

Cependant, tout n’est pas parfait. On regrette l’absence de traduction française, qui peut constituer une barrière pour une grande partie du public. Les modèles 3D, notamment celui de Rei Shimobe, manquent parfois de finition. Ils peinent à rivaliser avec la flamboyance des décors et des illustrations, même s’ils restent peu nombreux dans le jeu. Le choix d’intégrer des modèles 3D surprend, tant la mise en scène façon Rain Code est plus harmonieuse. Plus problématique encore : des temps de chargement fréquents et interminables cassent le rythme et ralentissent la progression. De plus, ne vous attendez pas à utiliser les fonctionnalités propre à la Nintendo Switch.

N’oublions pas non plus le chapitre du ministère de la Science qui, pourtant prometteur sur le papier avec son arborescence de choix et ses fins multiples, tend à s’étirer en longueur au point de devenir lassant. L’ambiance vieux visual novel semblait pourtant promettre un scénario inédit, mais la densité des dialogues en fait le chapitre le plus interminable, tant dans sa durée que dans son ressenti. Tout dépend du moment où ce chapitre est choisi, mais il pourrait en décourager plus d’un alors que tous les chapitres sont nécessaires pour venir à bout du mystère. Des accrocs qui ne gâchent pas complètement l’expérience, mais qui rappellent qu’un titre aussi ambitieux ne peut être exempt d’imperfections.

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Après une attente interminable pour les fans du Petit Chevalier mystérieux, Hollow Knight: Silksong arrive enfin sur nos consoles pour y développer toujours plus son univers. Ayant remis sur le devant de la scène le genre populaire du Metroidvania, de nombreux autres jeux se sont engouffrés dans la brèche pour surfer sur cet engouement. Et quoi de mieux que de les découvrir avant de passer sur Silksong ?

Le style Metroidvania est quelque chose devenu de plus en plus populaire avec le temps, et pour cause, il combine deux catégories historiques tirées de deux licences tout autant iconiques : Metroid et Castlevania. Sous-genre du jeu vidéo d’action-aventure et de plateforme, le genre Metroidvania s’est vu magnifié avec l’arrivée de Hollow Knight en 2017, proposant ici un univers riche et teinté de bleu, le tout dans un style dessiné main tout simplement grandiose. Avec la sortie prochaine de Hollow Knight: Silksong, nous vous avons concocté une liste de 10 Metroidvania sortis entre 2023 et 2025 à faire avant, ou après, la sortie de ce nouveau chapitre de la Team Cherry.

Nine Sols – 2024

Plateforme : PS5 / PS4 / Xbox Series X|S / Xbox One / Switch et PC – Prix : 28,99€

Fortement inspiré par Hollow Knight, Nine Sols reprend en grande partie les points forts de sa source d’inspiration en y apportant sa propre patte artistique. Exit les profondeurs, bienvenue dans un monde taopunk, un genre mêlant des éléments de science-fiction à la mythologie et la fantasy orientales. Développé par Red Candle Games, vous y incarnerez Yi, un guerrier en quête de vengeance dans une société futuriste déchue. S’il y avait un mot d’ordre à retenir du titre, cela serait de l’exigence. En effet, avec un système de combat en parades façon Sekiro, chaque affrontement devient tout de suite plus tactique et surtout plus nerveux. Si vous êtes à la recherche d’un successeur spirituel à Hollow Knight, Nine Sols pourrait bien vous plaire. Pour vous donner une idée, nous lui avons attribué un solide 9/10 lors de notre test.

Ender Magnolia: Bloom in the Mist – 2025

Plateforme : PS5 / PS4 / Xbox Series X|S / Xbox One / Switch et PC – Prix : 24,99€

Développé par Adglobe et Binary Haze Interactive, Ender Magnolia : Bloom in the Mist est la suite d’Ender Lilies où le joueur incarne une jeune fille amnésique qui vit dans un étrange royaume ravagé par une pluie de corruption. Ce second volet se déroule une dizaine d’années après le premier, dans un royaume ayant prospéré grâce à de vastes gisements magiques qui sommeillent dans ses profondeurs. Toutefois, de nouvelles formes de vie artificielles appelées homunculus sont corrompues par un gaz toxique provenant des souterrains. À vous de sauver le monde grâce au pouvoir de Lilac, capable d’invoquer les âmes de guerriers corrompus. Côté gameplay, celui-ci repose beaucoup sur l’invocation d’alliées aux styles de combat variés, étant donné que votre personnage n’est pas une guerrière. Un jeu fortement apprécié par les joueurs lui ayant laissé sa chance, à tel point qu’il est noté 5/5 sur Steam avec plus de 3000 avis.

Biomorph – 2024

Plateforme : PS5 / PS4 / Xbox Series X|S / Switch et PC – Prix : 19,50€

Avec un style bien particulier, Biomorph vous mettra dans la peau d’un être capable de prendre la forme de ses ennemis pour utiliser leurs compétences. Mélangeant plateforme, exploration à embranchements multiples et gameplay adaptatif, le tout dans un univers étrange et vivant, Biomorph rappellera pas mal ce que propose Hollow Knight dans sa structure. En effet, il empruntera à ce dernier son aspect fait main, son exigence de combat, son world-building et sa structure en zones interconnectées. Apprécié par les joueurs PC, celui-ci récolte un 4,5/5 sur Steam avec plus de 500 avis.

Laika: Aged Through Blood – 2023

Plateforme : PS5 / PS4 / Xbox Series X|S / Xbox One / Switch et PC – Prix : 19,99€

Metroidvania différent de ce que l’on a l’habitude de croiser, Laika : Aged Through Blood vous plonge dans un monde post-apocalyptique et western à la Mad Max. Vous y incarnez Laika, une mère coyote chevauchant une moto en quête de vengeance. Et c’est sur ce petit détail qui fera la différence avec ses homologues, car le gameplay repose surtout sur des phases de combat en moto. Combinant tirs et figures acrobatiques, il partage avec Hollow Knight sa narration environnementale, son atmosphère et une bande-son incroyable. Noté 4,5/5 sur Steam par 2692 joueurs, c’est une petite pépite à ne pas louper.

Tales of Kenzera: Zau – 2024

Plateforme : PS5 / Xbox Series X|S / Switch et PC – Prix : 19,99€

Metroidvania dans un style 3D, Tales of Kenzera : Zau a de particulier le fait qu’il soit développé par un studio ayant l’habitude de faire des courts métrages. Vous y incarnez Zau, un jeune chaman explorant les limbes à la recherche de l’âme de son père. Nombre de puzzles seront à résoudre et nombre d’ennemis seront à vaincre à l’aide de masques magiques, l’un sous le signe du Soleil et l’autre de la Lune. Le jeu propose un level design plutôt intéressant, des boss plutôt mémorables et une histoire fortement inspirée des mythes bantous. Si vous êtes à la recherche d’un jeu plutôt original avec un accent sur une culture plutôt méconnue, Tales of Kenzera : Zau peut être une bonne découverte.

Animal Well – 2024

Plateforme : PS5 / Xbox Series X|S / Switch et PC – Prix : 24,99€

Ici, pas de combat : juste de l’exploration, des énigmes et des secrets. Vous incarnez une petite créature dans un monde souterrain rempli d’animaux mystérieux à la manière d’un Rain World. Tout repose sur l’observation, la découverte et l’expérimentation. Ce Metroidvania minimaliste évoque la liberté d’exploration non guidée propre à Hollow Knight, avec une ambiance oppressante et énigmatique. Même si il donne l’impression qu’il n’y aura rien a faire, attendez-vous à découvrir un jeu avec énormément de secret de niveau de compréhension. Cela lui vaudra un énorme coup de cœur des joueurs avec un 5/5 étoiles sur Steam pour plus de 11 000 joueurs.

Ultros – 2024

Plateforme : PS5 / PS4 et PC – Prix : 24,99€

Ultros c’est avant tout un trip psychédélique dans l’estomac d’un être cosmique. Si cette description vous a intrigué, le jeu vous réserve alors beaucoup plus de surprises. Celui-ci propose une exploration assez spéciale basée sur une boucle temporelle, où vous revisitez les lieux avec de nouveaux pouvoirs. Visuellement parlant, il est unique avec ses inspirations du psychédélisme 70s. Côté gameplay, vous y retrouverez une carte interconnectée, un rythme lent, de nombreux secrets cachés propres à la philosophie de Hollow Knight, mais dans un ton bien plus étrange.

Cookie Cutter: Overkill Edition – 2025

Plateforme : PS5 / Xbox Series X|S / Nintendo Switch et PC – Prix : 19,99€

Avec un style ultraviolent et anarchique, le tout en 2D, Cookie Cutter est une énigme à lui tout seul. Vous incarnez Cherry, une androïde punk en quête de vengeance (comme toujours). Le jeu offre un gameplay frénétique, une narration brute et une esthétique comics gore lui offrant une identité propre. Sous son aspect outrancier, Cookie Cutter propose une carte ouverte, de multiples améliorations, et des boss retors, ce qui peut séduire ceux qui aiment la densité de contenu et les affrontements intenses de Hollow Knight. L’édition Overkill propose de nouveau contenu, un nouveau gameplay mais surtout la possibilité de jouer à 60 fps.

Pseudoregalia – 2023

Plateforme : PC – Prix : 5.89€

Entrons dans un style de Metroidvania peu commun, celui d’un monde en 3D low-poly qui s’inspire des jeux N64. Critiqué pour son manque de carte lors de sa sortie en 2023, pourtant intéressant sur le papier, celui-ci retrouvera le cœur de ses fans après cet ajout. Toutefois, à l’origine, pas de carte automatique : c’était à vous de retenir mentalement l’environnement pendant que vous débloquez des sauts, des dashs et autres techniques pour explorer le château. Malgré sa forme rétro, il évoque Hollow Knight dans sa structure d’exploration ouverte, son absence de guidage, et son ambiance un peu mystérieuse et solitaire. Malheureusement, pas de traduction française proposée et il n’est seulement disponible sur PC.

MIO: Memories in Orbit – 2025

Plateforme : PS5 / PS4 / Xbox Series X|S / Xbox One / Switch et PC – Prix : ?

Pour ce dernier point, faisons une exception avec un jeu qui n’est malheureusement pas encore sorti sur nos consoles. MIO : Memories in Orbit est un Metroidvania qui devrait vous plaire, surtout lorsque celui-ci est français. Développé par Douze Dixième et édité par Focus Entertainment, vous incarnerez MIO, un robot agile qui s’éveille à bord du Vessel, un vaisseau gigantesque dérivant dans l’espace. Autrefois entretenu par des IA, celui-ci est désormais en ruine et est envahi par la végétation ainsi que des machines défaillantes. Ainsi, MIO doit explorer ce labyrinthe et restaurer les souvenirs de l’Arche ainsi que découvrir sa propre identité. Côté gameplay, on retrouve tout ce qui fait la force du genre : combats et plateformes, customisation de son personnage, boss iconique. Mais là où il dénote, c’est sur son approche narrative : l’éveil de MIO est présenté comme une exploration de la conscience et du soi, abordant ainsi la question de l’identité artificielle. Prévu pour sortir cette année, on espère du fond du cœur que MIO : Memories in Orbit arrivera à trouver son public alors qu’Hollow Knight: Silksong arrive en force. Une démo est déjà disponible pour celles et ceux souhaitant se faire un avis dessus.

Difficile de faire un choix avec autant de Metroidvania sortis ou à sortir prochainement. Une chose est certaine, il vous sera difficile de ne pas trouver votre bonheur, que cela soit à travers notre listing ou avec les futures sorties à venir. En attendant, Hollow Knight: Silksong est prévu pour ce 4 septembre sur l’ensemble des plateformes.

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Les premiers retours des joueurs vous ont refroidi concernant Lost Soul Aside ? Bonne nouvelle : une version de démonstration est désormais disponible sur le PlayStation Store et Steam. Une excellente occasion de vous faire votre propre avis sur ce titre coréen ambitieux.

Les rédactions n’ayant reçu Lost Soul Aside que très récemment, il nous est pour l’instant impossible de vous proposer un test complet à l’occasion de sa sortie. Certains joueurs ont toutefois pu accéder au jeu en avance grâce à la vente anticipée des versions physiques PS5, et ont signalé d’importants problèmes de framerate. Un patch day-one est désormais disponible sur les deux plateformes.

Pour regagner la confiance des joueurs, Lost Soul Aside propose dès à présent une démo jouable sur PS5 et PC. Vous pouvez la télécharger directement depuis le PlayStation Store ou Steam. À noter : les données de sauvegarde de cette démo ne pourront pas être transférées vers la version complète du jeu.

Pour rappel, Lost Soul Aside est désormais disponible sur PS5 et PC.

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Après deux phases de bêta réussies, Battlefield 6 s’apprête à se lancer avec une sérénité à toute épreuve au mois d’octobre prochain. Mais pour préparer le champ de bataille, il est toujours utile pour les joueurs PC de vérifier si leur configuration est encore adaptée. Découvrez les configurations recommandées par Electronic Arts, qui donnent déjà un aperçu des ressources nécessaires pour faire tourner le jeu.

Après l’échec de Battlefield 2042, Battlefield 6 revient avec de nouvelles ambitions. Le retour aux sources a été salué par les fans, qui ont pu tester le jeu durant deux week-ends consécutifs. Désormais, il faut patienter encore un peu : le titre sortira dans un peu plus d’un mois sur consoles et PC. L’éditeur américain poursuit sa campagne de promotion et dévoile les configurations requises pour jouer sur PC.

Fait intéressant : le Secure Boot devra être activé pour lancer le jeu, alors que VALORANT exige l’inverse. Un conflit donc pour les joueurs qui alternent entre les deux FPS, nécessitant un passage régulier dans le BIOS pour modifier ce paramètre.

Découvrez dès à présent les configurations PC proposées par EA :

Configuration Minimum

• CPU : Intel Core i5-8400 / AMD Ryzen 5 2600

• GPU : NVIDIA GeForce RTX 2060 / AMD Radeon RX 5600 XT / Intel Arc A380

• RAM : 16 Go (Dual channel 2133Mhz)

• Mémoire vidéo : 6 Go

• OS : Windows 10

• DirectX : 12

• Stockage : 55 Go HDD (au lancement)

• Prérequis techniques : TPM 2.0 activé, UEFI Secure Boot Enabled, HVCI & VBS

• Résolution / Framerate / Paramétrage : 1080p à 30 FPS / Minimum

• Upscaling : natif

Configuration Recommandée

• CPU : Intel Core i7-10700 / AMD Ryzen 7 3700X

• GPU : NVIDIA GeForce RTX 3060 Ti / AMD Radeon RX 6700 XT / Intel Arc B580

• RAM : 16 Go (Dual channel 3200Mhz)

• Mémoire vidéo : 8 Go

• OS : Windows 11 64-bit

• DirectX : 12

• Stockage : 90 Go SSD (au lancement)

• Prérequis techniques : TPM 2.0 activé, UEFI Secure Boot Enabled, HVCI & VBS

• Résolution / Framerate / Paramétrage : 1440p à 60 FPS / Haut – 1080p à 80 FPS – Minimum

• Upscaling : natif

Configuration Ultra

• CPU : Intel Core i9-12900k / AMD Ryzen 7 7800X 3D

• GPU : NVIDIA GeForce RTX 4080 / AMD Radeon RX 7900 XTX

• RAM : 32 Go (Dual channel 4800mhz)

• Mémoire vidéo : 16 Go

• OS : Windows 11 64-bit

• DirectX : 12

• Stockage : 90 Go SSD (au lancement)

• Prérequis techniques : TPM 2.0 activé, UEFI Secure Boot Enabled, HVCI & VBS

• Résolution / Framerate / Paramétrage : 2160p à 60 FPS / Ultra – 1440p à 144 FPS – Haut

• Upscaling : natif

Pour rappel, Battlefield 6 sera disponible le 10 octobre 2025 sur PS5, Xbox Series X|S et PC.

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Hello Games continue d’élargir l’horizon de No Man’s Sky avec une nouvelle mise à jour intitulée Voyager qui introduit les Corvettes. Bien plus que de simples vaisseaux, ces colosses de l’espace sont pensés comme de véritables bases volantes, entièrement personnalisables et capables d’accueillir plusieurs joueurs. Mais où les trouver et comment les obtenir ?

Chaque Corvette peut être façonnée selon les envies : coques, ailes, cockpit et moteurs peuvent être modifiés, tandis que l’intérieur propose une multitude de salles : dortoirs, infirmeries, espaces de commandement ou encore téléporteurs. Elles permettent d’inviter ses amis à bord pour voyager ensemble ou encore, de faire des sorties en dehors du vaisseau dans l’espace, ou bien, faire des vols stationnaires au-dessus d’une planète pour sauter dessus. Oui oui, vous avez bien lu.

Hello Games a prévu deux parcours distincts pour permettre à tous les joueurs d’accéder à ces corvettes. Les débutants devront passer par une expédition spéciale dédiée, qui guide pas à pas dans l’acquisition et la construction de leur première Corvette. Les vétérans, quant à eux, pourront directement acheter les modules requis dans les stations spatiales via une interface inédite en échange de quelques millions de nanites.

Où acheter ses modules de Corvette dans No Man’s SKy ?

Pour pouvoir acheter des modules de Corvette dans No Man’s SKy, il faudra se rendre dans une station spatiale, descendre de son vaisseau et se rendre au début de la plateforme d’atterrissage. Vous trouverez ici une nouvelle interface permettant de modifier les modules de Corvette et d’en acheter de nouveaux contre des nanites.

Hello Games continue de transformer No Man’s Sky en un bac à sable toujours plus riche et évolutif près de 10 ans après sa sortie d’origine.

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